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设计师：萨拉·莫斯尔（美国）
主题：《生物材料在服装中的应用》
设计师：路易安娜·戈基斯克（罗马尼亚）
主题：《从过去到现在：将复古纺织品重新想象成现代舞台服装》
设计师：斯涅亚那·佩西可（加拿大）
主题：《路径：教育环境中的可持续设计实践》
设计师：祖祖·胡德克（斯洛伐克）
主题：《服装作为主角》
设计师：埃利卡·斯彻沃（巴西）
主题：《圆圈中的服装：教学、过程和其他咒语》
设计师：阿敏·伯蒂卡（摩洛哥）
主题：《摩洛哥戏剧舞台美术》
萨拉分享了关于如何在设计中使用生物塑料的研究。她尝试自己在家用明胶和淀粉来制作生物塑料。在萨拉制作生物塑料的过程中，还参考了克拉拉·戴维斯（Clara Davis）、玛格丽特·邓恩（Margaret Dunn）、路易斯·博格（Lois Burger）等人在生物塑料制作方面的开源资料。她参加了茱莉亚·莱特的世界首演话剧《我是一座岛》的创作，使用生态塑料设计舞台服装。萨拉展示了她如何调配材料成分并与布料相结合，最终获得自己想要的效果的制作历程。最后她分享自己的下一步研究重点是测量明胶薄膜和明胶板的收缩率以及测试生物塑料的耐久性。
《从过去到现在：将复古纺织品重新想象成现代舞台服装》
路易安娜介绍了一种常见于罗马尼亚乡间的民族纺织物装饰品。同时，路易安娜也在自己的戏剧服装设计作品中使用了这种天然纤维材料。这种源自本民族的织物和罗马尼亚民族的戏剧作品有着很强的联系，在表演中自然而然的融为一体，诉说者罗马尼亚人的故事。同时，路易安娜在创作过程中，一直尝试将罗马尼亚民族风格同现代性文化相结合，试图利用他们的表现力，试图为舞台做出一种现代的解释。
斯涅亚那首先介绍了自己任教的大学的授课模式，学生们不仅学习设计类课程，同时还可以自由选择表导演的课程。在学生的成果反馈中，她发现了最有用的两本参考书。一本是《绿色剧场》（THE THEATRE GREEN BOOK)，另一本是《生态舞台美术》（Ecoscenography）。这两本书的基本原则是少花钱多办事，在设计中更多考虑使用可重复利用部件和可回收材料。舞美布景、道具、服装的二次利用能减少化学污染，运输污染。为了践行生态性原则，她和学生从学校仓库、当地剧院和其他戏剧学校收集的衣服和材料来进行创作。之后，斯涅亚那展示了学生创作戏剧时具体的使用的材料来源、处理步骤、最终效果。根据她的预计，她在本次展览中的作品有85%-90%的材料能被重复使用，其余15%-10%的材料将在未来继续使用。
祖祖介绍了她的目标是教育表演舞者和服装设计师以及来自各个领域的业余爱好者在设计和使用服装时如何丰富他们的视野和方法。祖祖的工作室的主要任务是研究舞台服装与表演者之间多样的关系，并将她的想法与愿景付诸实践。她将表演艺术、舞台服装设计与摄影艺术相结合，尝试探索一种新的表达方式。最后，她以视频的形式展示了她的作品。
埃利卡介绍了她与其他巴西艺术家、学者、教师共同编著的一本书《圆圈中的服装：教学、过程和其他咒语》（Costume in circle: pedagogies, Processes, among other spells）。在这本书中讨论的内容跨越了舞台服装的界限，将其他艺术领域的知识和多样制作工序融入服装设计，同时，也思考了在当代戏剧中舞台服装发展的方向。埃利卡谈及在创作过程中，她将自己关于生态保护和女性主义的思考融入其中，努力加强与其他巴西其他艺术家的联系，最后在预算有限的困境下仍然成功出版了这本书。
阿敏·伯蒂卡既是一名导演同时也是一名舞台设计师。他分享了自己在摩洛哥戏剧艺术领域的经历以及摩洛哥戏剧的发展历程。摩洛哥戏剧起源于传统表演艺术，后受到法国和西班牙殖民者带来的西方戏剧影响，形成了独特的戏剧形式。阿敏还提及了在摩洛哥戏剧史上，一位罗马尼亚女性将西方的舞台设计技术引入摩洛哥，对当地戏剧教育产生了深远影响。阿敏通过讲述摩洛哥女性在2015年因穿短裙而引发的事件，强调了女性自由表达的重要性，并以此为灵感创作了戏剧作品《裙下风云》（Once Upon the Skirt）。最后，阿敏分享了自己关于女性主义的思考以及其在《裙下风云》中的体现。
当前，可持续发展都面临着资源稀缺、环境污染、气候变化的巨大挑战。可持续的发展的实现需要的是全球性的共识，多方合作参与。在舞台美术领域，已经有设计师努力践行绿色原则。在演讲中，六位设计师展示分享了自己的可持续观念以及发现的更为环保的创作方式及其必要性，同时也以实例说明了可持续理念在舞台美术上的应用。此次世界服装在行动论坛（WCiA2024）以“服装与可持续性”为主题之一，对舞台美术的绿色发展提出了新的展望和要求，凝聚了深刻的共识。
同日下午，参与“服装与科技”专题演讲的共有四位设计师：
设计师：索菲亚·潘通亚基（希腊/芬兰）
主题：《数字技术与有形材料在服装中的应用》
设计师：多罗塔·库尼亚斯卡（波兰）
主题：《艺术与科技的结合》
设计师：利瑟·凯莉特（丹麦）
主题：《身体与自然》
设计师：卡塔泽娜·扎哈罗娃（俄罗斯）
主题：《反思：个人与社会》
索菲亚分享了关于在服装设计和表演艺术中如何使用新材料以及数字技术。她尝试自己在家用明胶和淀粉来制作生物塑料。首先，索菲亚介绍了她在赫尔辛基的工作，重点是技术如何为服装设计提供新的材料和机会，而不仅仅是作为媒体使用。她提到自己的研究兴趣来自于技术实验在布景设计和表演领域的应用，而这些技术通常需要技术背景，如虚拟场景和投影。她还提到了一些时尚领域的例子，如Victor and Rose 2002秋冬系列，以及如何通过数字技术创造动态的视觉效果。最后，索菲亚总结说，这些实验关注的是有形材料和数字技术的并置和融合，以及如何通过这种组合创造新的视觉和感官体验。她认为，作为时装设计师和讲故事的人，他们有潜力通过数字技术讲述更多的故事，并探索新的材料和叙事方式。
多罗塔分享了自己近年来在不同艺术项目中的创作灵感和过程。她通过举例说明，展示了如何将科技与艺术结合，创造出沉浸式的艺术体验。多罗塔谈到了新冠对艺术项目的影响。由于许多项目被搁置或取消，她开始重新画画，并从现实与科技的碰撞中寻找灵感。最后，多罗塔提到了他的最新项目“白日梦4.0”，这是一个探索白日梦状态的装置，灵感来自当代波兰科幻作家的作品。在这个项目中，她设计了一个像素艺术风格的织物纽扣，描绘人们在水中冲浪或被拉进桌子的场景。总的来说，多罗塔通过分享自己的艺术项目，展示了如何将科技与艺术结合，创造出沉浸式的艺术体验，并探讨了科技如何改变我们的生活和未来。
利瑟探讨了表演艺术的目的：表演是基于一种愿望，即在全球和个人层面上与我们周围的世界融为一体：表演旨在探讨人类如何与自然和谐共处。接下来，她就自己在维多利亚音乐学院创作的一部戏剧谈起，展示了自己在创作过程中如何利用可延展的铝材料、作曲家的音乐如何体现自然与科技的结合等等。在这样一个复杂的表演艺术项目，它通过舞蹈、戏剧和音乐探索了人类、科技和自然之间的复杂关系，旨在提高人们对环境问题的意识，并寻找与自然和谐共处的方式。
卡塔泽娜是一位来自俄罗斯莫斯科的视觉艺术家、多学科艺术家，她分享了自己的艺术项目及其背后的理念和创作过程。项目《纪念碑》中，艺术家们通过简约的场景和象征性的动作来表现和平与战争的主题。镜子代表没有战争和硝烟的天空，艺术家们穿着白裙子，拿着手帕，呼吁着和平。手帕在河流水面上漂浮，象征着战争的残骸和后果。河流的流动象征时间的流动，表示几个世纪以来女性一直在为和平努力。项目《目的地》将每一个人寻找自我意义的过程视觉化，耗时三年，克服了恶劣的天气条件和技术困难，最终在波罗的海完成拍摄。卡塔泽娜展示了她的创作如何通过视觉和表演艺术来探讨深刻的社会和个人问题，强调了艺术在表达和讨论这些挑战性主题中的重要性。
本次专题讨论以”服装与科技“为主题，四位设计师分享了自己在创作中使用的跨媒体与跨材料技术，展现了服装设计中实体材料与数字技术虚拟手段结合的潜力，并针对自然和科技的关系展开了深入思考。
中国舞台美术学会致力于国际与国内多个舞台艺术领域的学术合作与交流，并将持续报道本次论坛的相关内容。敬请关注!
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作者：李文帅
责编：张丽佳
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