导语：
在当今世界现代艺术博物馆中，MoMA（纽约现代艺术博物馆，Museum of Modern Art）的首席地位称得上是无可撼动。相比赫赫有名的世界四大艺术博物馆，虽然没有悠久馆藏历史和全球文化珍宝，聪明而有远见的MoMA却以先锋的立馆宣言，从最早开始就确立了一种不同于以往的使命感，着眼于现代和未来，为自己在全球的艺术圣殿中争得了一席之地。
建筑从业者的我们，找不出MoMA之外的第二座博物馆，如此深刻记录和反映了现代艺术和建筑的思潮：从MoMA本身的选址、翻新、扩建，皆由一代代世界建筑大师打造，现代建筑的发展更替在MoMA这个“舞台”轮番上演。笔者将在下文中梳理纽约当代艺术博物馆的前世今生，展开现代艺术的精神传承，追溯一个世界级艺术地标的更新换代。
PART 1 博物馆历史
一. 1929-1939最初的十年
1929年，美国股市大崩盘之后的第十天，第五大道和53街54街之间一座大楼的第十二层里，一座占地仅有几间屋子的小博物馆开馆了：门票免费，房间中央随意摆放着地毯和沙发，泛黄布面的墙上，挂着的画作也明显低于正常博物馆舒适的摆放高度，但它们却被布展者根据画作的内涵和彼此联系别出心裁地组合起来。然而，正是在纽约都市的小小一角，这座无名的博物馆，向外界发出了开启时代的艺术展览馆宣言。在它的开馆说明中，两个有着革命意义的新想法印于纸上：
以往的博物馆关注过去的收藏品鉴，MoMA致力于对当今艺术的评判思考；
以往的艺术品只是狭义地包含了雕塑和绘画，MoMA把现代艺术中的摄影，以及设计中的建筑，工业设计，舞台设计等方方面面都认定为馆藏艺术品的范畴。
提出概念并让这个先锋展览馆最终得以落地面世的，是洛克菲勒家族成员之一的大卫·洛克菲勒，以及他所召集的一群兼具艺术修养和社会号召力的朋友；他们身上有着投入于现代艺术并且将之传播发扬的热情和远见，这点显得更为难能可贵。放眼当时的大都市纽约，全城只有两个博物馆；而承载现代艺术展览的任务，只能通过纽约一年一度的armory show作为对外的橱窗。正如大卫·洛克菲勒他们预想的那样，这间小小的展室在第一个月内，就迎来了47293位对新艺术兴致勃勃的参观者。也正是现代艺术的蓬勃生命力和发展态势，使得这个最初的展室很快面临着扩建的局面。
1929 最初的小展室位于这幢大楼的十二层，1929年
1932年，在扩容的需求激增下，博物馆从最初的原址搬迁到了一个街角相邻的53街——如今的MoMA地址。当时这里尚是纽约街道面貌中毫不起眼的一座建筑；然而，正是这座不起眼的建筑，给予了雄心勃勃的策展者整层的展览空间，其内部不同层的展室也可以接替开放和备展。很快，这些时代的先锋者们便开始了永久馆藏的策划。
说起MoMA，不得不提的另一位灵魂人物就是阿尔弗雷德·巴尔。在最初的创始人中，仅仅是普林斯顿及哈佛毕业生的他，资历最浅；然而巴尔对现代艺术的执着和与生俱来的激情，使得他成为了MoMA实现从宣言到世界闻名这一跨越的核心推动者。正是巴尔，提出了“艺术展不应局限在雕塑和绘画，而是应当分为多个大类”的创见。他一生工作于MoMA，召集了数位最有影响力的大师成为博物馆分馆长，如菲利普·约翰逊便是第一任建筑艺术部门负责人；他与马蒂斯，毕加索等先锋艺术大家保持着紧密的联系，为MoMA策划了数次标志着历史节点的重要展览；他为MoMA永久馆藏作出了战略的论证安排：MoMA的永久馆藏分布应当如同在时间海洋中穿梭的“鱼雷”，每一类艺术的馆藏都保持着先锋性，也追随着最初的建馆使命。
阿尔弗雷德·巴尔在1933年所规划的永久馆藏“鱼雷图”
在1929-1939年的这十年里，社会发展，与之相应的艺术和设计行业发生着日新月异的变化。MoMA规模虽小，但是举办的数次重要展览却纪录着这个时代，并且成为美国现代艺术的主要阵营。比如马蒂斯个人展览，亚历山大卡德尔展览，机械艺术展，立体主义和抽象艺术展，达达和超现实主义展，包豪斯设计展等。此外，MoMA还新增了摄影部门。而在这个十年的末尾，老旧的城区房屋也终于被拆除，由菲利普·古德文（Philip Goodwin）和爱德华·斯通（Edward Stone）设计的现代主义新建筑落成了。
1938年博物馆旧建筑拆除
二. 1940之后的发展与辉煌
伴随着新建筑的落成，MoMA吸引了越来越多来自世界范围的艺术家，博物馆以及群众的关注。不应忽视的是，这个伟大的过程，是由一代代策展人员和一点点的改变和创造逐渐积累的。在时代的更替变迁中，MoMA一直坚持“现代艺术的传播与思考”这样的初衷；事实上，对这一初衷的认识并非一成不变。
博物馆的一天：概念性说明新馆内各种活动的剖面图，绘于1940年
从艺术本身到社会和人权，许多分支教育机构和研究组织相继成立，去致力于展览外的现代艺术普及；在第二次世界大战后，MoMA基金会更是帮助许多无家可归的流浪艺术家在美国安身立命。
在馆藏艺术品的范围方面，MoMA在不断完善和扩展。MoMA成立了国际间交流部门，和其他国家的博物馆进行展品交换巡回。关于日本，印度，南美的文化艺术逐渐成为日益重要的份额。现有的展览部门分支是：建筑与设计部门，绘画部门，电影艺术部门，媒体传播和表演艺术部门，雕塑与美术部门，摄影部门，书籍出版与插画部门。
MoMA在扩展的同时，也不断考量着展品本身之于现代艺术的意义。诸如地域文化与手工艺，乃至科技产品，电子游戏，一块大石等，虽然不是直接的现代艺术，但是却对现代艺术产生了重要影响的它们，都被纳入展览之列，启发人的思考。而面对越来越宽泛自由的现代艺术定义，每一项潜在的展品，都会经过博物馆理事推荐给理事会讨论，再由分馆负责人决定是否展出或收藏为永久展品。
三. MoMA的著名建筑展览
MoMA的建筑展览也一直和时代所紧密相连。可以不夸张地说，现代主义所有的建筑大师都在这里有过个人专题展览。而诸如柯布西耶，密斯，赖特，康等个人展览在MoMA的历史上更是随年代更替，以不同主题多次呈现给公众。现下正在举办的赖特展，则是MoMA举办的第十一次赖特展览了。
而MoMA主体建筑背后的雕塑花园，更是屡次成为前沿建筑师建造展览的试验场。诸如弗雷·奥托，坂茂等建筑师，早在他们获得普利兹克奖之前，就已经在MoMA的后花园搭建过供参观者休息的“遮阳篷”。由此，MoMA对新兴建筑潮流的紧密关注和前瞻性可见一斑。
雕塑花园的弗雷·奥托结构展览，1971年
圣地亚哥·卡拉特拉瓦的结构与表现展，1993年
坂茂2000年在雕塑花园的顶棚搭建
不止于建筑师展览，MoMA建筑分部举办的主题展览，同样引领了建筑理论的时代思潮。比如早在1932年举办的
Modern Architecture: International Exhibition
（现代建筑国际展）就在纵观柯布，密斯，包豪斯等当时的建筑风格时，时任分馆长的菲利普·约翰逊便在开展时定义了“国际化建筑”这个专有的术语。同样，在1988年由哥伦比亚大学建筑系系主任的马克·威格利（Mark Wigley）策划的
Deconstruction
（解构主义建筑展），十个来自不同建筑师的作品被陈列在一起， 创造并且阐释了“解构主义”建筑这一新名词。又如MoMA在2004年的一次扩建， 早在1998年就通过公开展览的方式把最后的决定环节公诸于众：伯纳德·屈米，赫尔佐格&德梅隆，以及谷口吉生同台竞技，引发了当时建筑圈和市民的热烈讨论。
在关注建筑潮流的同时，MoMA同样关注新兴的建筑师群体。从2000年起，每年夏天位于皇后区的MoMA P.S.1分展馆都会评选出一位新兴建筑师，将其所设计的构筑物搭建出来，覆盖整个室外展区；而这一活动，长期是纽约夏天的公众活动参观的首要选择。
位于皇后区的MoMA P.S.1分馆，摄于2000年
PART2 博物馆建筑历史
从1939年新的博物馆建成之后，MoMA代表的现代建筑博物馆形象，在建筑外观上得以体现。而之后的每一次扩建和改造，都毫无疑问地成为纽约和时代的热点，具有典型的时代意义。
最初的设计方案，1939
菲利普·古德文和 爱德华·斯通
1939年，作为当时董事会唯一的建筑师成员，菲利普·古德文自然而然地成为了主持设计MoMA的建筑师。然而当时，他的建筑设计却还不和现代主义“沾边”，好在另一位建筑师爱德华·斯通中和了这一问题。新的MoMA建筑完美阐释了现代建筑国际式的审美。它简洁，单薄而锐利。顶层有屋檐和面向洛克菲勒大厦的开放视角的平台，最上两层的长窗水平延伸，典型的现代建筑特色；而白色大理石和玻璃搭配起来，与周围的城市建筑形成了鲜明的对比，正映衬出现代艺术的先锋性。这一建筑的后方，还有一片面向54街开敞的空地。就在新建筑落成宴会到来之前的一两周前，时任建筑部馆长的约翰·麦克安德鲁（John McAndrew）和阿尔弗雷德·巴尔决定将这片空地用作雕塑花园，于是在最短的时间和最少的投资条件下，他们两人通过直接做草模的方式，在某个深夜完成了花园的设计方案，利用看似自由松散的曲线和简单的材质与绿化，很好地分隔和安置了人流和雕像。最早的雕塑花园就这样被决定了下来。
菲利普·古德文和爱德华·斯通设计的新建筑，1939年
最早的雕塑花园，1939年
