在中国艺术史领域，巫鸿教授绝对算得上一位
“大神”
级人物。
巫鸿教授
巫鸿先生到底有多牛？不如看看他
“开挂”
的履历——
1970年代，在故宫工作，他近距离接触古代书画和金石珍品，别人眼中的“幸运”，在他手里成了传奇的起点；1980年代，到了美国，他不仅拿下人类学和艺术史双博士学位，还直接成为
哈佛大学首位获得终身教职的中国艺术史学者
，可以说是妥妥的“天花板”了；2002年，他创立的
芝加哥大学东亚艺术研究中心
，直接开辟了芝大一个全新的学术领域；2022年，他拿下美国大学艺术学会
“艺术写作杰出终身成就奖”
，成为亚洲学者的
“零突破”
……
他的研究改变了西方对中国艺术史的认知，让世界重新认识中国艺术的伟大。难怪北京大学的郑岩教授会说：
“这个时代需要这样一位美术史家，而他正好出现了。”
巫鸿先生的
“中国绘画”
系列，又是其作品序列里毫无疑问的
“爆款IP”
。连续两年获得豆瓣年度艺术设计图书、各大媒体的年度好书榜单等荣誉拿到手软。
“中国绘画”系列
前两本连续获得豆瓣“年度艺术设计图书”
读者们更是
好评如潮
——
“
读完这两本书，我终于明白了为什么要看顶级专家的著作，为什么说好作者比什么都重要。”
“第一次读巫鸿，顺畅的不像读史，组织材料的能力真的一绝！作为一位普通大众读者，我全书读完有一种酣畅淋漓的感觉！条理清晰，配图也都非常讲究和到位，读起来毫无阻滞。”
“被这本书点醒！原来艺术还能这么读。我一直以为艺术史离我很遥远，那些画作背后的故事，感觉怎么也琢磨不透。直到遇到巫鸿老师这本豆瓣9.3的《中国绘画:五代至南宋》，真的狠狠震撼住，打开了我对传统艺术认知的新世界大门！”
“作者就像是一个穿越时空的侦探，把从远古到唐朝的中国绘画翻了个底朝天，然后整理成了一本精彩绝伦的‘绘画大侦探故事集 ’。”
“看这本书时，正从武汉-长沙-洛阳旅游回程的高铁上，这本书正好从绘画历史的角度把平时看过展和文物串联在一起。”
“功成名就之后，还有野心和精力写一部中国绘画史，又写得极踏实、极清晰，没有一丁点油滑和卖弄的成分，实在太有诚意了。”
“对没有读过巫鸿著作的读者来说，可以从这套书进入。”
“书名像是通史，却又没有放弃研究与讨论的深度，不以讲故事媚俗，也不故作险论。”
“目测会成为中国艺术史通史新经典。”
“巫鸿先生在研究方法上展现出了极大的创新性。他打破传统按照材质分类以及依据西方概念讲述中国绘画故事的模式。”
“本书提供的独特视角，的确让我能跳出传统的历史框架，从一种全新的视角，欣赏这些绘画，并对这段时间的时代风貌，有更加立体而全面的了解。”
“比较惊喜的是还涵盖了宗教壁画和墓葬壁画，讲得脉理分明又系统透彻，还很适合小白。看过一些画展和墓葬/宗教壁画后食用更佳。”
如今，这个备受瞩目的“爆款IP”系列迎来了
收官之作
——
《中国绘画：元至清》
。这本书不仅延续了巫鸿教授一贯的“硬核”风格，还加入了更多有趣的故事和细节。从元代的文人雅集到明清的宫廷奢华，从女性画家的细腻笔触到民间壁画的质朴风情，巫鸿教授用他独特的视角，把那些被历史遗忘的细节重新点亮，带你领略一个更立体、更真实的中国绘画世界。
01
突破传统叙事套路，看见更完整的中国绘画史
一提到中国绘画，浮现在我们脑海中的，往往是赵孟頫、黄公望、王蒙、倪瓒、王原祁、八大山人、石涛等文人画家，还有《富春山居图》《鹊华秋色图》《渔夫图》《六君子图》《汉宫春晓图》《青绿山水图》这些传世名作。但这，真的就是中国绘画史的全貌吗？
上丨黄公望《富春山居图》“无用师卷”局部
下丨赵孟頫《鹊华秋色图》
长期以来，中国绘画史的写作大多围绕“名家名作”展开，特别是在元、明、清绘画的相关著作中，文人画占据着绝对的主角地位，而非文人画家，尤其是女性画家、民间画工等群体常常只是被简单提及，甚至直接被略过。
明清两代女性画家的作品：李因《芦雁图》、仇珠《白衣大士像》、任霞《猫》、文俶《花卉图》
这种传统的叙事方式不免遮蔽了中国绘画更丰富的面向——我们记住了黄公望的《富春山居图》，却未必了解元代绘画如何从南北交融中诞生新风格；我们熟知八大山人的孤傲笔墨，却可能忽略清代绘画背后“金石入画”的潮流如何重塑艺术语言。
以独立画家为纲的叙事方法延续了传统画史的局限，由于不把宏观历史潮流作为主要观察对象，难免会出现见木不见林之感。写作者对画家的选择也多因循传统看法，习惯性地将大量篇幅给予最著名的文人画家，非文人画家和女性画家或从简，或付之阙如。本卷希望尽力改变这种情况，给予后者更多的讨论篇幅；但更重要的是把单个画家纳入整体艺术潮流之中，在讲述更广阔历史运动的过程中呈现出画家个案。
在新作《中国绘画：元至清》中，巫鸿教授力图打破这一桎梏，重新讲述这一段中国绘画的故事。
作为“中国绘画”系列的收官之作，本卷在延续《中国绘画：远古至唐》《中国绘画：五代至南宋》研究方法的基础上，采用朝代史+分层叙事的论述框架，将宏观历史潮流与微观个案结合，聚焦媒材发展、画派分化与地域间互动，揭开元、明、清绘画更立体的面貌。
《中国绘画：元至清》实拍图
书中围绕元、明、清绘画史中的诸多核心问题展开讨论：文人画为何能够成为中国绘画中最有影响的门类？从“书画同源”到“诗、书、画、印”结合，中国画的经典范式如何确立？怎样在历史发展中理解明代绘画中的“浙派”与“吴派”？从永乐宫《朝元图》到法海寺《水月观音》，如何看待寺观壁画在元、明、清时期的发展？
同时这本书还给予非文人画家、女性画家与女性题材绘画、民间画工与壁画创作等经常被既往研究忽视或遮蔽的面向更多关注。
目录
02
文人画如何成为主流？：在历史原境中重新理解文人画
元、明、清这一时期最重大的现象莫过于文人画成为中国绘画中最有影响的门类。
从“书画同源”到“诗、书、画、印结合”，从不同类型的水墨白描和写意到青绿着色的复古格调，从赵孟頫对“古意”和“书画同源”的讨论、董其昌的“南北宗”理论，到石涛的“一画”观念，本书将文人画视作处于不断变化的概念和实践，在历史语境中抽丝剥茧，展现文人画如何通过自身发展、内部分化，以及与宫廷和职业绘画的互动和交融，最终成为中国绘画的主流。
《中国绘画：元至清》内文实拍图
经历了宋代的萌芽，文人画在元代最终确立并日臻成熟。赵孟頫等人重新建构了文人在绘画创作中的主体性，使其成为文人表达思想感情的媒介；文人雅集的大量出现，既为文人雅士提供了思想和艺术交流的途径，也成就了《玉山雅集图》《杏园雅集图》《南屏雅集图》以及《随园十三女弟子图》等多幅传世作品；在创作的同时，文人画家也愈加频繁地担负起艺术批评家和理论家的责任。
上丨谢环《杏园雅集图》局部
下丨汪恭、尤诏《随园十三女弟子图》局部
03
不止文人雅集， 被忽视的“另一半”绘画史
除了文人画，宫廷绘画、商业绘画以及与建筑紧密结合的贴落画、寺观与墓葬壁画等，在中国绘画史中同样具有着重要地位，与文人画共同构成了中国绘画的广袤之林。
女性如何通过绘画表达自我，女性题材绘画又发展出哪些新特点？与卷轴画并存的贴落、壁画等建筑绘画，它们与可移动的卷轴画在社会功能、画家身份、内容构图及技术要求上有哪些差异与影响？条屏如何结合了挂轴和壁画这两种绘画媒材，成为清代室内装饰中一种十分流行的书画展示方式？
