7月9日上午，由文化部主办，文化部艺术司和中国戏曲学院联合承办的文化部2017年戏曲艺术人才培养“千人计划”高级研修班在中国戏曲学院正式开班。高级研修班自2016年开始到2020年，将连续五年，每年举办一期戏曲编剧、导演、作曲、舞美班，共培养1000名戏曲创作人才。
本期舞台美术班为灯光专业，高级研修班的教学工作由中国戏曲学院舞台美术系和中国舞台美术学会联合组织实施。教学主导思想是“坚持特色、开拓视野、锐意创新”。
高级研修班每期教学时间为一年，分为集中讲授（一个月）和剧目实践（半年）两个阶段。第一阶段教学方式以中外著名设计师讲授为主，辅助进行剧目观摩和工作坊式教学，第二阶段以学员回原单位创作实践（导师通讯指导）为主。
近日，中央戏剧学院教授，舞台美术系灯光设计专业博士生导师冯德仲举办了讲座，主题为“东西方美学观对舞台灯光造型艺术的影响”。中国戏曲学院舞美系精心整理出讲座实录，今天通过学会微信平台与全国舞美同仁分享。
中央戏剧学院教授，舞台美术系灯光设计专业博士生导师。
参与设计与论证项目：国家大剧院、北京电视台、上海东方艺术中心、武汉琴台大剧院、广州歌剧院、山西大剧院、大连歌剧院、咸阳大剧院、石家庄大剧院等。
主要论著与科研项目：《国际专业照明设备辑要》《舞台灯光设计概要》《剧场应用术语》《英汉剧场术语》《冯德仲舞台灯光设计》等。
在开始之前，我想简单的和大家做一个交流，舞台灯光是在舞台上用光的色彩、亮度等各方面元素来进行舞台画面的造型。这样的话有几个元素：一个是形体，就是从造型元素来讲，一个是色彩，还有一个就是光，这个光到底应该做成什么样，这里面有很多是涉及到你的审美和判断。今天我们就东西方美学观进行探讨，下面我们进入这个课题。
西方建筑是一个实结构的建筑造型，从材质上和东方有明显的区别，观演建筑或者公共建筑所具有的观演功能来看，也都是相当具有规模的，这里面有一定的美学原因和社会发展的原因。
罗马建筑在当时欧洲的周边，包括东欧西欧、非洲的一部分、中亚等，很多地方都有它的存在。
普罗旺斯竞技场，这个地区本身还存在着一个系统的文化设施的区域。一个竞技场，里面包含了教堂、小剧场。
从建筑遗迹看，人物后面是有阴影的，可以看出当时是面对太阳光进行演出，现在舞台灯光摄影也是根据户外的自然光与欧洲演出习惯和方式来决定的，当然这也是符合广大观众的视觉欣赏习惯：希望看到正面的形象，能够获得阳光的效果。
经过长时间的历史演变，户外剧场变成室内剧场，在文艺复兴时期是一个高潮。由于当时意大利的歌剧风靡欧洲，所以请了意大利的设计师在欧洲建了很多镜框式舞台的室内剧场。
意大利米兰斯卡拉歌剧院在周边有大约六七层的包厢观众席，能看出来这种演出艺术文化方面在当时社会的繁荣记录。从灯光上来说，也是逐渐经历了室内剧场，然后用其它替代自然光的方式来进行室内剧场照明，油灯和蜡烛是一个很长的时代，之后比如煤气灯，电灯，直到最后当代电子发明，舞台灯光逐渐走向了从模拟化到数字化。
乌克兰国家歌剧院里面也是把第一道包厢改成我们现在所常用的耳光，而且把这里面的位置可以在每一层都安装上相应的灯具，是一个非常好的照明空间。所以在我们中国建造剧场的过程里面，应该吸收一些西洋的因素，然后使我们剧场更灵活。
悉尼歌剧院是中国文革期间开始设计建造的，大约文革经历了十年左右，它也建了十年，可以看出建剧场有的时候是需要一定的时间，不是说赶工期似的快餐式建筑。在它建造过程中，从工艺的施工，到模板的设计成型基本上是一次完成的，用水泥来浇铸的风帆式剧场。
这个剧场原来很多人有些质疑，因为打破了常规剧场镜框式舞台的建筑结构和布局，一种标新立异的方式，是否影响舞台灯光和音响的品质。通过长时间的研究实践，悉尼歌剧院虽然有一些技术方面的限制，但是视听效果还是非常好的。
宫廷戏楼在中国历史上是很早出现的，只不过因为我们中国的建筑是一个土木结构，在演出的过程中和各个时代变迁战乱中损失了很多中国式的戏楼建筑。
紫禁城畅音阁大戏楼，在紫禁城里面不止一座这样的戏楼，从旅游线分东路和西路，东路通常是在国家当时政府和对外交流官场使用的剧场，西路很多是在皇族里面使用的剧场，有若干个。
北京的会馆戏楼是在明代，清代中期达到鼎盛，那时候很多，当时在京城内经商的，南来北往的这些商人们出资建造了很多类似这样的戏楼。
恭王府是和绅的后花园，后来他在经营这个花园的时候，也建造了这个剧场，这个室内和露天的比较，仍然采用了自然光的照明，光是从窗户透过来的，而且是从两侧或者四面透进舞台部分，使得舞台上得到的是一种均匀的布光照明。
天津广东会馆和其他会馆不一样的地方，就是它有很独特的一个穹顶，取消了舞台前端的柱子，现在还是应用于演出，或者一些传统的戏曲的演出和活动。
从它的结构来看，可以在演出过程不影响三面的观众看，另外演员通过上面穹顶表演的时候可以获得非常好的音响效果，这个照明的光线是从四面采光，照到舞台上面是没有明显的硬光源，使得这个光比较均匀。
国家大剧院是中国在改革开放以后的第一个计划建造的剧场。包括歌剧院，戏剧场和音乐厅，歌剧院有三道面光，这三道面光其实起着不同的作用，比如第一道面光可以照亮舞台主体的部分，第二道面光和第三道面光相应可以照到，或者更深一些，或者是可以使得延伸，在乐池舞台，使得延伸部分获得更好的照明光。
广州歌剧院是改革开放初期建的西方式的剧场，以三面体积型舞台为主，造型上具有艺术的想象力，它是仿造了一种石头的建筑，里面的装饰也是很具有曲线的造型，打破了简单或者传统的做法。传统的剧场，比如巴黎歌剧院，巴黎歌剧院里面装饰很复杂，观众注意力应该重点放在舞台上面，逐渐往后发展，剧场台口的装饰，或者室内的装饰都变得简约化。
东西方的造型，总体来说就是一个写实和写意的关系。中国传统写意主要注重反映自然与人的关系方面，表现意境和神态神韵，强调主观意识和自我的情感，创造想象空间获得愉悦。西方会追求真实的呈现效果，反映客观事物的同时也能思考。
这张壁画，可以看出表现是一种艺术真实，是表现立体的效果，人物从比例到环境各方面是追求的生活里面的真实效果。
包括在当地的一些岩石岩洞上画的壁画，可以看得出来这些西方的艺术家们，他们所画的是追求真实的效果画面。
很多时候是一种自我表现和追求自我的感受，把它通过自己的感受再用作品表现出来，但不强调真实性，或者有些时候可能是有相应的改变。总体来说是追求一种中国的，包括儒家的一种学说、包括阴阳、和谐，很多统一的东西是通过靠艺术家和自己去理解，然后再表达。
在内蒙古发现了一些岩画，史前的一些岩画，实际上就不是用真实的表达造型，或者是形体来刻划他所看到的。而是用装饰性的，或者一种夸张的变形的方法来表现。
可以看到对于兽的一种描写，是夸张化了，这种夸张化没有特别具体的真实的表达，而是一种夸张装饰化的描写。
青铜器纹样图案。这个是一个羊的造型，应用在一个实际可以使用的器皿上，像这些造型是中国独特的传统文化。
总体来说，中国传统艺术是写意的——注重的是人与自然的关系，反映的大多是自然在人心里的感受。西方古典艺术是写实的——注重的是对自然的重现，反映的大多是自然的真实情况或运行理论。而这种区别与中西哲学的差异有关。中国的哲学思想是以中庸谦和为主，把天人合一，物我两忘推向极致；西方哲学主要来源于希腊的数学和几何的逻辑思维，重视对事物的客观认识，概念化演绎剖析事物，推崇物我对立。因此，中国传统艺术以含蓄的手法来表现自我，西方艺术多以客观的手法来表现自己。
西方在追求真实的审美装饰下，他们发展到记录身边生活的时候，是追求尽可能的完美再现当时的一种印象，还有一些是气氛、状态，都通过绘画的发展，把生活记录下来。
伦勃朗戴金盔男子的作品，很生动反映了当时的环境效果和材质，包括人物曝光的效果，这个在我们舞台上面也是经常被采用在戏剧演出里面。
之后逐渐又开始有很多改变的地方，特别是在文艺复兴之后，印象派的点彩画法使场景的人物构图和色彩，包括方式都和以前的追求逼真的效果有很大的区别。它追求的是一种印象或是不同的场景效果所代表的一些气氛，状态。
像这种表达方式也可以有效的应用于戏剧的舞台设计和灯光设计，早期很多时候根据演出剧目的需求，舞台艺术家或灯光设计师用手绘的方式事先做场景设计图。现在欧洲、美国有一些有名的设计师在做剧目设计时，也会翻阅大量的图片和历史资料，找到根据后在舞台上呈现这样的效果，然后把它有效的应用到具体的某一个场景气氛里面去。
从中国的绘画来看，就是能够比较注重形象，本身的动态，颜色和固有色的表达，重点不放在真实性和立体感，而是放在神态或整体的意境上。
观音像神态动作都很优美，特别是灯光的造型，有它的方向性，主光的方向、辅助光的方向，还有轮廓环境方面的照明，能够比较好的反映一个雕像的面貌。
京剧追求的是一种均匀式的表现，实际上一种全方位均匀的布光，没有阴影的，这样把立体实体的造型展现成一种平面的表达方式来给观众看，这个是中国传统的造型艺术本身最主要的一种表达方式。
京剧的这些造型，就是要求让他不管是哪个方向面对观众的时候，都能够得到非常好的呈现效果。
但是后来也有一些新派的做法，是结合了西方式的照明方式，这个怎么样去发展，比如新编历史剧是用均匀布光的方式，还是用西方有色彩对比的方式来进行照明，这个是应该没有一个定论，就是你作为设计师和主创，应该主张什么样的方式来表现，那就是进行审美的探索。
同样是历史上画人物的画家，不同的时期，会产生不同的变化和区别。当代的这些画家里面，很多完全有能力，像西方的画法来表达中国的题材，这时候就把光的效果结合的非常明显，而且有目的的，非常明确的。
现代化舞台灯光虽然是越来越丰富，但是如果我们在观念上和视觉判断方面，没有自己的定位就会迷失，所以需要我们提高审美，然后才能有目的的选择适当的灯具来去做所需要的艺术效果。
尽可能了解中国文化的审美，另外就是看全世界非常知名的一些艺术作品，其创造性怎么能够激发当时的艺术家来产生这样的艺术作品，这个是很深的一种思考。
审美的问题实际上要有一个自我判断，如果判断不出来，等于眼低，眼低实际上就是手低，所以要做到效果好，就是要提高审美，一种办法是通过绘画，另一种办法通过摄影来认识风景，原来中戏一个老前辈说：“作为一个舞台美术家，你不懂得风景的话，你的舞台设计是没有感染力的。”所以生活里面可以有一个采风的课程去抓拍各种有戏剧效果、舞台效果或画面效果的，要重点知道自己追求的绘画性。从绘画到舞台灯光呈现，培养的设计师能够从写实到个性化和多元化，从西方的艺术到中国艺术都能够明白和理解，然后再应用。
今天因为时间关系就讲到这，想起毛主席的一句话：“古为今用，洋为中用，百花齐放，推陈出新。”这也是我今天讲完后，我们交流重点强调的意图，就是审美要创造，创造更多的自由空间。谢谢大家！
记者：冯老师您好，很高兴您能来参加这次“千人计划”的活动，能不能对我们年轻的灯光设计师和灯光设计专业的学生说点寄语和对他们的期望？
冯德仲：这个活动非常好也非常重要，特别对传承中国传统艺术，结合西方舞台美术的特点来使得中国将来的演出艺术得以提升。因为作为中国的舞台灯光设计师是必须要了解西方艺术和中国艺术的区别和审美所在的。
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来源：国戏舞美
图文整理：李策
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