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音乐剧《飞天》自北京保利进行全球首演后，先后在敦煌、深圳、韩国大邱摘桂夺冠，一路鲜花，一路凯歌，创造了中国音乐剧的巅峰之势。从保利首演的盛况空前到大邱3000人同场的掌声雷动，飞天在收获也在感触每一次与观众的同场所在。
但笔者也发现，在大多数粉丝的留言中有不少对《飞天》舞台设计中的“脚手架”，发表了他们的个人意见甚至提出了质疑？那就先来看看这些“差评君”都说了些什么？
@不知名网友：
舞台过于空，而且并非空净写意，就只是空。除了最后出现的宛如卧佛的那块大石（我挺喜欢），整部剧的舞美基本只有铁架子和电脑屏保一样的投影。
@小红书用户：
脚手架是认真的吗？背景大部分时间都是质感廉价的单调PPT。红橙蓝绿紫的舞台灯光好像在某个钟乳石洞窟里游玩…只有形似卧佛的沙漠装置有些许用心。
@小红书用户：
从已有设计的角度来看，我赞同一些repo对舞美和道具的建议。也许是因为剧情场景切换过于频繁，敦煌-巴黎，本生-来生等等设计让道具无法转换，但背景显示屏和灯光真的可以再花点心思，有一段显示屏背景让我幻视黑客帝国…
保利剧院 音乐剧《飞天》太震撼了
这场音乐会舞美十分震撼，融合了多种独特音色的乐器，共同构建了一个斑斓瑰丽的敦煌宇宙，绝对是视觉和听觉的盛宴，让我仿佛置身于敦煌，感受敦煌文化的深厚底蕴，对于一直想去敦煌的我，真是一场奇妙的旅程。通过讲述“守护人”保护莫高窟画和“赶路人”不畏艰难奔赴敦煌的故事，成功的用音乐和剧情触动了我们的心灵❤️
————小红书观众
朴实的舞美，也藏着些巧思在。有些简陋的脚手架上，群演的面容若隐若现，像极了千佛洞里的雕塑。而更简洁的布景，如同鸣沙山下的月牙泉，却又隐约像是158窟的卧佛造像。
——小红书观众
舞美上，整体的群舞还是挺唯美的，布景上也非常简约（基本上靠投影解决一切）。不过开场的敦煌投影真的美爆，这点还是要夸一下的。最后一幕终于不是投影了，上了一块《上春山》同款石头（那三个人的站位真的和上春山一模一样。。）总而言之投影好看就完事了，也不一定非要多复杂的道具。最后谢幕前有演职人员的投影，好评！
————小红书观众
舞台设计美轮美奂，虚实相应，运用了沉浸光影特效，打造出一个神秘缥缈的世界，视觉效果极佳。
——小红书观众
众说纷纭之下，对铁架子的争议其实还是切中了讨论的要点。如何让大家理解音乐剧《飞天》舞美设计中“脚手架”这一舞台布景的存在？
遵循一个认知事物的基本逻辑，先回到它的创意本源上来开始讨论还是相当有必要的。
黑格尔认为现存的事物既有理性的部分，也蕴含着非理性部分；其中理性部分才是本质，是永恒的现实；而非理性部分则是假象与短暂的。
那么我们从创意的源头上看看这种“合理的理性部分”——真实的敦煌、洞窟与飞天。
其实，一说到敦煌壁画、飞天，首先蹦到脑海里的可能是这些画面：隽美、仙气飘逸、灵动致美、瑰丽万千。
但其实，从历史上的莫高窟到现在的莫高窟，那个构建了云衣飞扬，曼妙仙舞画面的洞窟，从来都是残破、阴暗、低沉的。
所以，艺术漫想、瑰丽万千的洞窟，其本来场景的真实感就是如此，而在其中进行文物守护更是艰辛、困顿的苦旅，是要以生命和青春来填满其中的“千缝万裂”。不然，2019年感动中国人物颁奖典礼上，给予樊锦诗的颁奖词，也不会这样写到：
舍半生，给茫茫大漠。从未名湖到莫高窟，守住前辈的火，开辟明天的路。半个世纪的风沙，不是谁都经得起吹打。一腔爱，一洞画，一场文化苦旅，从青春到白发。心归处，是敦煌。
在谈及敦煌艺术研究所第一任院长常书鸿，也不会用“他将50年光阴都奉献给了那个遥远荒凉的敦煌”。还原或者称之为回到——那个遥远荒凉破败，经历了风沙与岁月吹打的敦煌、莫高窟，是对永恒真实的一种尊重与敬畏。
再谈及合理性的非理性部分，它应是一种浪漫主义的怀想与想象力的支撑。
道具的属性中叠加了敦煌的千年文化，融入了壁画文保人的峥嵘岁月，一方铁架上，敦煌守护者们的手中勾画的是中国文化的余温，脚下根植的是坚毅的民族性格。这并不是一种简陋的设计徒劳，通过它能建立一种历史时空的关联。
至此，再来理解我们所谈论的“脚手架”，并非那个单纯意义上筑造现场的工具指向，更像是青春与决心的陪伴，守护者素朴情怀的支撑，从常书鸿、段文杰、樊锦诗到孙儒僩、李最雄、李云鹤、赵声良、苏伯民等一代代敦煌守护人生动诠释了“坚守大漠、甘于奉献、勇于担当、开拓进取”的莫高精神。
“看似先锋设计的脚手架，开创性地搭建起历史与现实的间离空间”，这是新闻报道中的一句评论，的确，飞天是在用一种大胆且纯粹的方式，将那些在真实洞窟中的岁月斑驳、空寂，还有那些静默付出的守护身影和青春岁月，高高、稳稳的耸立在舞台上——不遮不掩，大大方方，艺术性的嵌入现场。
脚手架正面覆盖一层铁网，作为投影界质；大量的影像附着在上面，同时，也有纱幕的作用，演员可以在铁网后面若隐若现。最后面的同样钢架结构，是为了威亚演员可以踩踏，在上面进行空中表演。
“舞台剧跟大家的交流更直观，
你的任何一种变化观众都能感受得到，
这才是剧场的意义”。
所有材质、结构、图像、暗示、移情和隐喻都在尝试表达观点或者隐没意图。它们是热烈激昂的营造，也是冷冽理性的寻找，它们在勇敢地直视故事、人物、情节……
弗洛伊德说，梦都是视觉也是符号的。
飞天之梦，在舞台上的光影变化、舞步的婀娜万姿、如诗如韵的乐音吟诵中，从大漠黄沙的敦煌来到了现场，在抽象与具象的交叠，在量子纠缠的故事叙述，指向了人性意义的深邃，成就了一次次现场艺术的美的回响。毫无疑问的是，舞台上每一种呈现与确立，包括大家讨论的脚手架，每一瞬间的定格与聚焦，都具有着艺术的符号性，通过这些符号的啮合、碰撞、映照，完成了一次大型艺术现场的“情绪置放”与“环境写意”。
工业视角下的脚手架装置，仍然可以看做与舞台环境构建物一样，是一种梦的筑建。
它创造了一种典型环境的想象联动，它与敦煌、莫高窟、鸣沙山、月牙泉这些自然意向的形成了想象共联。同时，也创造了与演员互动支点，所有故事章节的转换，空间的切变，都有一个坚定且稳固的空间基底。
从这个角度看，所谓的“脚手架”，已经脱离了那种工业生产语境下的“作业支撑平台”的定向认知，在当时当景成为舞台装置艺术的一种表达，立足惯常理解下环境写照的对抗，带来一种艺术性的”介入与干涉”。
同一事物，在观众看来具有不同的反馈，这或许恰恰表达了艺术的涵容与广纳，无拘无束亦有根有源，倘若前置了太多的限定，或许也就没有这一次“脚手架上台”的创意之举了，它的存在内在契合而又针锋相对，相互抵抗而又渐而亲和，更甚者，它就是那个另一种意义上的“歌者与舞者”，它深深介入了舞台，站定了现场，更迁移了想象，好似一招“天外飞仙”，缥缈沉静而又具千钧之力。
音乐剧《飞天》似乎天生拥有一种独特的气质，这种气质或许正如《飞天》制作人、艺术总监李盾先生所言——“音乐剧是现场娱乐的终极表达形式，做音乐剧要引领，不能顺势而为。”
这种引领性在于大胆突破的果敢，浪漫主义怀想的同时坚定的创作执着，八年创排，十赴敦煌，就是为了这种引领性的冲天之举，“要到世界的中心参与世界艺术的对话”。
2024年7月6日至7日，音乐剧《飞天》作为中国唯一受邀作品亮相大邱国际音乐剧节引发轰动，现场座无虚席，近3000名观众观看，谢幕时掌声雷动不歇长达3分钟。“它如此华丽、如此美好”“独唱段落惊艳”“中国独有的华丽舞台”等韩国观众评价不绝于耳，接受采访的中韩观众不约而同地对《飞天》所蕴含的中国文化与情感深表赞赏。大邱国际音乐剧节执行委员长裴成爀盛赞《飞天》“以综合的中国文化形式呈现，看到了中国音乐剧光明的未来”。
人们总是在跋涉中找到自我，飞天亦如此。
这是一场人性的盛宴，更是一场对于“飞天人”自我的修行……
来自世界的荣誉已是加冕飞天的冠勋之证，巡演在路，璀璨再续。未来也将会有更多人，更多的关心与点评同行，保持一颗初心与敬意更加重要，坚定带着“既东方、更中国”的理解，向璀璨文化及其创造者、守护者致敬。
正如粉丝朋友的一段描述，恰得精要：“好的音乐剧是什么样子？“它一定不是‘拿着’的艺术，它是直指人心的。好的音乐剧‘闻’得出来，不能只是听，五感都要用上。作品也需要有嗅觉，演员深呼吸就要嗅到最后一个观众身上的味道。”
时刻与热爱中国原创音乐剧的人们一路同行
时刻与热衷中国文化
且拥有文化自信的人们一路同行
在感动，在感怀，在感知
与千千万万观者们每一次的美好相遇
在行路，在修行，在感谢，在感悟
在感触历史，更在努力创造历史
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责编：张吉才
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