如何从这部Netflix新片中，理解设计的价值？

2017年，流媒体平台Netflix推出了纪录片系列《抽象：设计的艺术》，由《连线》 （Wired） 杂志前主编 Scott Dadich 和知名导演 Morgan Neville 等人参与制作。系列邀请了八位设计师，聚焦于他们的创作和工作日常，通过这些来自不同领域的标杆式人物，试图向观众们展现设计行业的全景。

2019 年九月下旬，《抽象：设计的艺术》第二季正式推出， 关注了更多上季还未涉及到的话题，以广阔的视野，在设计行业的翘楚和先行者们身上进一步了解他们的工作方式。

如今，设计的语义不断演变，被人们赋予了更加丰富的内涵，对应着不断变化，日益复杂的现代社会。设计行业在其中担任的角色也显得更加重要。在实践层面出现了跨领域、多学科交叉的趋势。设计师的工作也与社会的变化紧密相连，关联着当今人们所热议的话题——环境，种族，身份认同以及社交网络的变革。

本季讲述了六位创作者的故事，涵盖的领域不尽相同。不同的个人经历造就了他们对世界迥异的介入方式，他们向镜头阐述了内心想法和工作细节。

设计师的任务不只是制造光怪陆离的视觉奇观，除了展现作品有趣的一面， 本片也关注创作者背后的考量、他们想向公众传递的信息，以理解设计的价值 。通过设计师和艺术家们的视角，了解他们用设计为社会带来的改变，如何去影响并改善人们的生活。

＃1

Olafur Eliasson

艺术家Olafur Eliasson的小实验拉开了系列剧集的帷幕，在第一集中，他邀请观众们关掉家中的光源，跟随他一起，感受颜色对环境的改变以及对情绪的影响。

自然、光、色彩和几何构成是他作品中不断出现的主题。Eliasson关注这些元素带来的情绪和体验。时常使用人造装置来重现自然景观，利用错觉触动观众的官能感知。营造着诗意、浪漫的幻觉。他曾经在纽约布鲁克林大桥和巴黎的凡尔赛宫制造了瀑布，在伦敦Tate博物馆的涡轮大厅里挂上了一面太阳，这些大体量的代表作打动了观众们，引发了广泛的讨论，也让他获得国际声誉。Eliasson在片中向观众们讲述着他的理念和想法。

水与雾气、对自然元素抽象的表达。这种风格的形成也与他的幼年经历有关，曾经在冰岛生活，当地的自然环境塑造了他认识世界的方式。同为艺术家的父亲也对他影响颇深。影片回顾了他的生活经历，也分享了一些有趣的细节——谁能想到，这位看似一板一眼，有着工程师形象的艺术家，在年轻时也曾是一位活跃的机械舞舞者呢。

导演并没有按照刻板的纪录片模式来讲述Eliasson的故事，在片中穿插了几个小实验。Eliasson不时面向屏幕外的观众对话。这与他的创作思路不谋而合，他相信观众也是艺术作品创作的参与者之一， 人们可以根据自己的经历与感受介入其中，赋予作品更多的含义。体现着民主、开放的价值观 。

异于传统艺术家与助手的匿名式共事关系，他的作品是整个工作室共同合作的成果。在他位于柏林的工作室里，一百余位拥有不同背景的专业人士密切合作，比如与他共事多年的建筑师 Einar Thorsteinn，以美国建筑师 Richard Buckminster Fuller 设计的几何结构为蓝本，一起打造了多件装置作品。 Eliasson的创作在工程、数学、科学与艺术之间寻找着平衡 ，从严谨理性的出发点，获得了感性的结果。

而环境问题也是他关注的重点，Eliasson 创作了雕塑作品《冰钟》，在联合国气候大会期间，将格陵兰冰川采掘的冰块运到了巴黎的广场上，人们感受到12块冰块随着时间融化消失，也提醒公众关注世界环境正在发生的变化。在产品领域，他和合作者结合太阳能技术，设计了名为小太阳的便携式太阳能灯具，可以为电力系统架设不完善的地区带去稳定、安全的光源。是一次成功推广清洁能源的案例。

Eliasson为艺术界带来了改变，推动了当代艺术的边界，让艺术走近公众。也相信艺术能够带来思考，让人们关注在生活中容易被忽视的细节。

＃2

Neri Oxman

在二十世纪初的欧洲的家居界，曾经兴起过模仿自然的风潮，将植物作为装饰性的元素应用在物件上，随着现代主义的发展，对功能的重视逐渐占据了主要的地位，简练的风格成为了主流。而近年来，对自然元素的借鉴以完全不同的方式再次从人们的视线中回归——建筑师 Zaha Hadid、Patrik Schumacher 以及工业设计师 Ross Lovegrove 等人将自然风貌结合现代技术，用曲线表达着抽象的自然形态。而来自以色列的设计师 Neri Oxman 在向自然学习的道路上走的更远，不仅关于造型，也结合了自然界的生长逻辑，将仿生学引入其中，从植物和动物身上学习有机的建造方式。

生于以色列的Oxman是麻省理工大学的教授，目前在麻省理工担任媒体实验室介导物质小组 （Mediated Matter） 的负责人。小组由来自生物、科研、设计和建筑领域的人才组成。她将这个小组比作诺亚方舟，成员们跨界合作，从不同出发点不断提出新见解，在相互协同下完善项目。

她关注着材料工程、增材制造、合成生物学还有运算设计的发展，把多个领域的研究成果相结合在一起。在这个背景下，Mediated Matter小组研发的产品并不由零件组成，他们将材料本身视为能够自然生长的个体，能够自我更新，修复。Oxman从甲壳类生物和植物中的提取物来制作对自然无污染的材料，试验新的可能性。这些可降解的材料如果能在强度和密度上产生优势，在技术更加完善和成熟之后，可以代替塑料，或许是对环境更友好的一种选择，减轻工业生产所带来的的负面效应。

在这个思路的基础上，带来了许多充满前瞻性的想法。Oxman曾经与 Iris Van Herpen 合作设计过具有有机结构的服装，还构思出能运用在太空航天领域的服饰。将可穿戴的微生物群与服装融合，也许在不久的将来会实际运用在人类身上。

另一个项目中，他们将处于吐丝期的幼蚕放置在使用机械臂建造的线性结构上，织出网状平面，建造了一个蚕茧般的小型穹顶。还曾在人造环境下探索蜂群合作，研究昆虫的习性，通过干预它们的行为，为未来能建造大型建筑的集群式机器人构建出行为模式的参照。 这种人与自然合作的新形式，充满了对未来的猜想，让我们对自然的看法从主宰者过渡到与自然共生的状态。

摄制组也跟随Oxman回到了她的故乡——以色列海法，走进了她的生活。她曾经学习医学和建筑，参加过空军。Oxman的祖母在海法的山上拥有一座花园，悉心照料着多样的植物，她也或多或少受到祖母的影响，最终选择了现在的方向，继承了家人对自然的热爱。

从过去的回忆里分享她的感触，也流露出她感性的一面。Oxman一直保留着童年的好奇和初心。铭记自然带给她亲切的感觉，也相信人们能找到更好的方式来改善世界。 “我们需要认识自然，了解自己对自然母亲负有责任，不要认为她是无限的，而是将她视作一个渴望被爱的实体” 她说到。

＃3

Ruth Carter

每部影视作品，都在构建一个世界，Ruth Carter 的工作则是这个造梦流程中不可或缺的一环，她为电影和戏剧的演员们设计服装。她的任务是打造一个令人信服，活生生的角色。 合适的服装造型是塑造角色性格的关键，能够准确的呈现出符合当时美学的视觉风格，尊重历史和文化背景，让衣服和角色的气质浑然一体，自然的契合演员的表演，为电影的故事服务。

摄制组采访了 Samuel Jackson 和导演 Spike Lee 等人，从侧面评价她的工作，肯定了她的才华。导演 Lee 拍摄了多部电影为黑人群体发声。也是 Carter 长时间的合作伙伴。

她参与创作的题材广泛，从嘻哈和流行文化，再到讲述奴隶制历史的严肃题材，这些在政治层面有影响力的电影作品涵盖了各个风格。其中包括讲述美国黑人运动中的激进组织——黑豹党领袖 Malcolm X 的传记影片、以及首部由黑人主演的超级英雄电影《黑豹》。Carter 总能抓住时代的精髓，结合不同文化场景的缩影，打造出适合的他们的视觉身份。

她设计灵感也与现实世界不可分离的。Carter 习惯观察街上的路人，人们的衣着记录着自己的生活，体现出自身的价值观，想象他们经历的故事，这些经验有助于角色的把握。

Ruth 钟情于诗歌和戏剧，图书馆更是她年轻时逃学时的去处，文学给予了她更具深度的认知方式。在创作的准备阶段，她会阅读相关的背景资料，进行考证 。基于这些知识背景，从不同层面思考人物的存在。她认为，为了去创造一个虚构的世界 ，更需要回朔历史。在为黑豹设计服装造型期间，她从非洲传统服饰和习俗中寻找灵感，演化具有出未来感的形象。作为电影的服装设计师，Reth 凭借这个作品获得了奥斯卡的最佳服装设计奖项。

思考种族间的关系，为自己的族群发声，呈现着非裔美国人的正面形象。她的工作以服装设计为手段，构建了平等的视角，Carter 说到：“ 电影具有娱乐和教育的职能，也在消除刻板印象和偏见，推动文化向前发展 ”，她在电影作品中塑造的形象在文化层面影响着人们的看法，肯定社会的多样性。

＃4

Cas Holman

改变，也发生在人们认知事物的角度。设计师 Cas Holman 质疑传统玩具的形式，那种被符号化的风格和由社会建构出的古板形象在她看来并不是真正为孩子的天性所设计的产品。她的作品通常由多种不同形状的建造单元组成，可以在户外或室内使用。孩子们可以自由拼接，组装出自己设计的物件和装置，为个人的想象留下更多空间，开发了孩子们的创造力。

她设计了以骨髓结构为灵感的拼接玩具Geemo，Geemo没有固定标准和确切答案。孩子们可以自己选择物品的用途，去创造形态各异的结构。她不认为粉红色属于女孩，蓝色属于男孩，人们拥有选择的自由，而不是被这些标签禁锢住。因此选用了纯白色作为主色调，以不同的审美启发孩子们，让他们对事物拥有自己的见解。同时她也在思考教育方式的多样化，Holman如今执教于罗德岛设计学院，期望学生们以更加开放、独立的思维方式打破束缚。基于同样开放的价值观走向设计。

在片中，她还提及了自身的经历，青年时期的她爱好跳舞和表演，在这些活动中发挥自己的个性。还曾面临过性别认同的焦虑， 因为自己的酷儿身份， 与父亲产生过矛盾、经历过挣扎。而母亲和朋友的支持让她走出了阴霾，回顾了走过这一阶段的心路历程，影响了她认识社会的方式。

Holman为纽约高线公园的儿童游乐场设计了Rigamajig项目，由大尺寸的功能单元组成，Rigamajig 支持孩子们互相配合，鼓励他们从游戏中学习社会合作。丰富的可玩性获得了媒体的报道，也让这个产品在网络上走红。通过一次偶然的机会，她了解到中国也存在类似的产品。在浙江省安吉县，幼儿园的小朋友们在老师的组织下开展了名为安吉游戏的活动，用简单的材料在学校内搭建活动器材，安吉游戏的创始人程学琴邀请 Holman 合作改进安吉游戏，她远赴中国，在安吉幼儿园看到小朋友们在幼儿园的操场上玩耍，将简单的组件和场地配合，自由的发挥，主动的创造了属于自己的游乐设施。

Holman根据孩子们的喜好，为其加入更多的功能，也希望安吉游戏可以推广到更多的地方。她相信用玩具能给社会带来积极的改变：“ 我认为这是一个对未来产生影响的机会，如果我们能给孩子带来建立信心的工具，拥有自己的主张，并理解如何变得富有创造力和同情心，那我相信他们将为我们所有人创造更美好的未来。 ”

＃5

Ian Spalter

社交网络无疑改变了现代人的生活方式，Instagram 也是其中最具影响力的平台之一。在全世界范围内拥有大约十亿用户。包括了明星，政客和商业品牌。从曾经用于分享照片的摄影软件逐渐成长为涵盖了社交和新闻的公共话语平台。要为如此庞大而多样的用户群体设计产品无疑是一件充满挑战的工作。

参与了Instagram 交互界面设计的产品设计师 Ian Spalter 从人机交互界面的历史谈起，循序渐进的介绍了他和团队日常的设计实践。

界面作为人与机器之间交流的平台，在生活中是如何被开发出来的？设计师们提出了用户体验设计（UX）和交互界面设计（UI）的概念。从最早的代码输入进化到图形交互界面，他们让控制机器的方式更加清晰明了。考虑了外界的情景和条件，把物理世界的习惯引入虚拟界面，得以更好的服务于人们的生活。