《爱乐之城》，好莱坞的“情怀”与“套路”

事后两位导演也承认，他们不想宣传这部动画的音乐，因为想先“骗”观众进电影院，然后让他们被惊讶到。这不过是用另外一种方式来说，观众对音乐剧的热情不够。也正是因为《冰雪奇缘》的成功，迪士尼很快就同意了《美女与野兽》真人版的翻拍，并且决定全方面拥抱音乐剧成分。

好莱坞这种“见钱眼开”的行为也不是什么新鲜事。之所以奥斯卡最佳影片《芝加哥》被投资方开绿灯，完全是因为《红磨坊》的大卖让制片厂意识到音乐剧的市场也许不容小觑。这也引发了随后的音乐剧拍摄浪潮，但在其中，群星闪耀的《走进黑森林》根本就没达到预期，《芝加哥》导演的新作《九》更是赔得血本无归，更别提《悲惨世界》在国内上映的时候，只能用惨淡来形容。

提及这些，是为了更好的地理解《爱乐之城》在什么样的背景下被制作出来。

这可能是好莱坞近些年来第一部原创的真人音乐剧电影，而且，不管是宣传方还是制作者，都没有对此遮遮掩掩。

本片开头就用一个热情洋溢的长镜头展现了音乐剧的潜力。这貌似也在和观众说，如果你连开头都不喜欢，看来音乐剧不适合你。

从宣传策略上来讲，一开始是针对音乐剧的核心粉丝。当好评开始出来的时候，才开始发展到更广的观众群。

但是，《爱乐之城》并非仅仅针对音乐剧的核心粉丝，导演也想让更多对音乐剧无感的观众也能涉足这一领域。为了达到这个目的，“致敬过去”也许是最好的策略。

从某种意义上来说，《爱乐之城》和去年夏天爆火的美剧《怪奇物语》非常相似。前者致敬好莱坞五、六十时代好莱坞音乐剧的黄金时期 ，后者致敬美国八、九十年代科幻片的黄金时期。在目前的政治环境下，应该不难理解这种认为“过去比现在更好”的论调为何如此受宠。到最后，大家看的都不是剧情，而是情怀。

《爱乐之城》在今年的奥斯卡获得了14项提名，如果把观众对现实不满并渴望逃避的这种情绪算进去的话，这好像也不难理解。

《爱乐之城》单从设定上来看，为了生计和梦想而愁的情侣，被迫选择事业还是爱情，梦想还是现实，这不是什么新鲜的角度。台词不停地提及《卡萨布兰卡》《无因的反叛》等经典老片，导演还是在很用心地致敬，也下了不少功夫。

第一个方面是靓丽的颜色。

全片用胶片拍摄，被捕捉到的色彩和数字拍摄的质感截然不同。开头的第一个长镜头就向观众介绍了本片鲜艳的色调，陪着追梦的群众，这种热情好像触手可碰。

而后，女主和三个室友在夜光下的马路上起舞，看着红黄蓝绿四种原色的裙子在灯光中旋转，观众很难不被感染到。

男女主角在暮光中的山坡共舞的那场戏，为了捕捉到真实饱满的颜色，必须在日落时分拍摄，只有短暂的半个小时。再加上是个不间断的长镜头，最多只能拍五条。

每条结束两位演员都会被助理迅速地擦掉汗水，重新再来一遍，同时还要演出那种不经意的情绪。 他们本可以慢慢拍，然后在后期替换天空，但是并没有这样做，这也体现了导演对色彩的执着。

在影片的后半段，随着人物的成熟，他们穿的颜色也越来越浅，最后又在结尾处迸发。从这个角度来说，色彩也是有叙事功能的，不是为了鲜艳而鲜艳。

致敬的第二个方面便是流畅的镜头运动。

在好莱坞经典的音乐剧中总是有很多丰富连贯的长镜头。本片导演也是在不求余力的做到这一点。这不仅需要大量的彩排，还需要演员的投入。

技术是需要为故事服务的。最高的境界便是观众根本就没意识到“长镜头”这种手法正在发生，而是完全投入在故事里，这便需要演员的表演来让观众代入故事。比如女主在结尾处试镜时独唱的那个长镜头。艾玛·斯通全程都是在真唱，配上优秀的歌词，观众很难不被感动到。

本片的音乐部分可圈可点。

第一首”Another Day of Sun”的词体现了一群在洛杉矶奋斗的年轻人的经历，介绍了梦想与现实妥协的主题。这种先是介绍大背景再走到主要人物的手法值得称赞。

第二首”Someone in the Crowd”也暗示了米娅最后会成名，毕竟看上她的选角导演也是“someone in the crowd”。最出色的自然是最后一首歌，把米娅讲述自己姑姑的故事和抒情的部分平衡的非常好。

音乐剧的大忌就是为了唱而唱，唱完后和开唱前没有区别。本片带歌词的每首曲子都有叙事的功能，两位年轻的作词家有很大的功劳。

理解任何一部电影都需要结合时代背景。但也有很多影片，脱离了当时的背景，现代观众依然能欣赏。如果现在这种怀旧浪潮过去后，《爱乐之城》能否经得住检验，这很难说。但这也是伪命题。任何电影都是逃不过自己的年代的。只是对于观众来说，需要注意自己有没有被这股情怀洗脑而失去了自己的眼光，故意看不见瑕疵。

不管怎样，《爱乐之城》绝对是幸运的。制片厂愿意给原创音乐剧投钱，有艾玛·斯通这样优秀的演员撑场子，有这样一个用心的导演和一群用心的人，在这个好莱坞萎靡的时代也算是清流一股。

或许我们不需要找什么意义，看完可以短暂忘记现实就足够了。