本文授权转自：大众摄影（ID：popphoto）
文丨约翰·雷蒙德·米雷莱斯（美国）
你是不是也曾看到当代艺术中的摄影作品无法理解，搞不懂，抱怨说这是
“什么破玩意儿，居然卖出这么高的价格”
？
这里分享一篇美国职业摄影师约翰·雷蒙德·米雷莱斯（John Raymond Mireles）相关的文章，或许我们就会明白，这个问题不只是我们欣赏口味的问题，
老外也会遇到这种困惑
。
可以理解大量普通民众对于当代艺术难以欣赏。但是你可能会认为，摄影师本身是富有创造性的，能够欣赏这些艺术以及那些他人以各种形式表现出的创造力。然而我发现，当面对现代艺术这个问题的时候，绝大多数摄影师（但不是所有）都会对其不屑一顾。
和普通人相比，摄影师们面对当代艺术品时态度不仅没有更加开放，事实上还要更轻视一些。
作为摄影师，当我听到同行们因为名作没有达到他们对于“好艺术”的标准而表示鄙夷的时候，我无言以对。有时我想对那些社交媒体上的帖子说，
“这只是因为你不理解，不意味着那是糟糕的艺术！”
当代艺术不仅仅是一种创作形式，对于摄影师来说还是重要的灵感与创意来源。多多花时间了解当下的艺术实践，一方面能帮助艺术家成长，另一方面能帮他们在市场上打开局面，甚至自己也跻身作品为人所收藏的艺术家行列。
即便不考虑这些实际的优点，用我一位朋友最近的说法，“这也是一种有价值的交流”。
两件古董（Two Fossils）, 2017 John Raymond Mireles
什么是现代艺术，什么不是？
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在我们深入摄影师们为什么避开“现代的”艺术前，首先我们要理解我们谈论的到底是什么？
尽管大多数人认为所有非传统或者前卫艺术，以及过去一个世纪的“现代艺术”归于现代艺术，但这个标签实际上只属于20世纪上半世纪以来的作品的特定部分和风格。
从那时候起，我们看到多样的艺术风格，从抽象表现主义到极简主义和波普艺术，各自引领一个短暂时期。
当我写下这些的时候，因为有无数风格和类型的作品，所以不存在一个标签可以概括过去三十年到如今的作品。
后现代主义
常被用到描述近期的作品，但是这个名称实际上
是一个哲学定位，而不是一个特定的视觉风格。
今天，艺术圈谈到“艺术”的时候大多所指
现代艺术
，其中囊括了抽象绘画、摄影、表演艺术、观念艺术、装置艺术等领域。
而风景画、西方题材青铜雕塑、打扑克的小狗等等风格更为传统的作品，尽管它们也由当代人所创作，但通常不被认为是现代艺术。
因为这篇文章的目的需要，我要用
“当代艺术”
这个术语取代“现代艺术”，来指代这儿讨论的非传统艺术形式。
Supply & Demand, 1972 by Carl Cheng
当看到如上的作品，我们免不了听到“那不是艺术。”“要反映的是什么？”“技巧在哪里？”“让人乏味”之类的抱怨，更多的则是“我也能做到那样”。
当你看下面的照片——Andreas Gursky的《莱茵河II》，如果你得知这幅作品在2011年被卖出430万美元的高价，成为有史以来卖出最贵的摄影作品，上面所有这些评价一定会涌入你的脑海。
《莱茵河II》（Rheine II ），Andreas Gursky 摄
艺术简史
（就聊5块钱的）
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如果你是一位摄影师，想知道为什么这幅作品能卖出如此天价，首先重要的是了解一些历史。
回到将近
200年前
，在摄影作为媒介存在之前，
绘画是作为视觉传达的最基本方式。
如果你想用视觉分享故事，你就得把它画出来。当摄影出现以后，绘画开始出现危机，因为摄影能更方便，更准确地在二维平面上呈现三维世界。
同时，摄影试着自己成为一种艺术形式。摄影用于肖像和风景很不错，但是它能不能登堂入室成为真正的艺术呢？
看到绘画在艺术领域的统治地位，摄影师试着让照片看起来更像绘画。通过这些努力，
画意摄影的风格随之诞生。
柔和、梦幻，回避细节成为流行于19世纪末期的风格。
于是摄影师挤压了画家的空间，画家开始质疑绘画作为媒介的关联，以至于法国画家保罗·德拉罗什有句著名的宣言
“摄影已经杀死了绘画。”
艺术家们所知的艺术遭到了质疑与压力。
对于这个事关生死的问题的回答，导致了
现代主义的诞生
——在常听到的“形式遵循功能”的语境之下这也许是一个最容易接受和理解的艺术运动。
如果按照这个观点来看待摄影，就会发现摄影能比任何其他创作形式都更加有效和更加高效地在二维表面上来重现这个可见的世界。
从现代主义者的观点出发，如果我们同意
形式必须服务于功能
，那么就应该认同
摄影作为一种创作形式
，其影像就必须最大程度使用相机的技术特性，并如实还原被记录场景中所包含的信息。
你可能不会将具有代表性的风光摄影师安塞尔·亚当斯与现代主义摄影师的典型代表联系在一起。
亚当斯最著名的就是其
从前到后清晰一致的摄影作品
，他发明的区域曝光法至今仍为人们广泛使用。在这种方法的帮助下，他能尽可能利用底片上的点滴信息，精确组织成影像，创造出摄影史上就技术角度而言最完美的一系列作品。
时至今日，几乎所有摄影师依旧受到亚当斯等现代主义者所树立的范本影响，这其中不乏理查德·阿佛顿、萨巴斯蒂奥·萨尔加多等名家。如果你是一个摄影师，那么无疑中这也包括你在内。
不管你是否已经意识到，你都是一名现代主义者。
怀俄明州大提顿国家公园，1942，安塞尔·亚当斯 摄
再回到绘画的世界中，“形式遵循功能”的概念让画家们走向了完全不同的方向。
如果说绘画的功能不再是对于视觉世界的真实再现——现在这成为了摄影的工作——那么
它可以自由地追寻其他，非真实再现时空和形式。
举例来说，取代单一的空间视点，多重视点（甚或没有）被结合入一幅绘画中。想想毕加索的《亚维农的少女》中不占据确定的空间，或者杜尚的《下楼的裸女》描绘多个时间点上的抽象形象。
毕加索的《亚维农的少女》，1907
杜尚的《下楼的裸女》，1912
所以两种媒介相似地都拥抱着现代主义，但是导致了相反的结果：
摄影热忱地追求现实主义，而绘画
放弃了现实主义，
支持抽象的概念。
当我们理解了目的的分歧，那么就很容易看到沉浸在精致地重建现实的现代主义传统中的摄影师们，对于接受强烈忽视现实的作品是如此困难。很遗憾，对于摄影师来说，这种情结进一步得到加强。
当现代主义依旧统治着专业和摄影爱好者的摄影领域
，
将摄影作为媒介的艺术家大多数放弃了现代主义。
取代独特构图和魔幻光线的，艺术摄影师在他们的构图中常常接受一个统一的客观的视角。
在普通光线下直接拍摄平庸的主题，成为艺术摄影下的一个共同主题。艺术世界认为“艺术”的事物，摄影师们常常认为是乏味的。
