关于交响乐，你总好奇的那些台上“小动作”

某些人看起来经典的颜色，对其他人可能又黑又沉闷。

穿黑色通常是为了舞台上的某种一致性。

除此以外，舞台上每个人都穿同样的颜色，也有助于观众更好地集中注意力。黑色只不过恰好是大家此时一致认同的颜色。

当然，不同的制服和不同程度的正式性总是有讨论的空间，但大部分乐手的衣柜里装的通常是黑色礼服。

不过，曲目比较活泼或者参演人数较少或演出不太正式时，也可以穿着花哨的礼服。

当观众席坐满，音乐会准备开始时，首席小提琴手才会“姗姗来迟”，这的确看起来有些奇怪。

一些听众说：大家竟然为迟到的乐手鼓掌。

首席小提琴手迟迟入场只是另一种让听众知道音乐会即将开始的方式，并且乐团调音会多给听众一点时间将手机调成静音。

从听众的角度看，的确有些疑惑。毕竟，如果音乐会过程中没人看指挥，那为什么还需要他/她呢？

其实虽然你觉得乐手都在看谱子，但其实眼角余光都是在看指挥的。

指挥会在节奏突变、情感变换、强弱改变是用手势、表情、身体语言提醒全乐队成员注意，在这些时候，整个乐团都必须注意看着指挥，才能找准时间点。

不是口水！不是口水！不是口水！看乐谱又不是看食谱哪来这么多口水啊，是管壁冷凝水~

乐章之间木管乐手会拆开他们的乐器，彻底清洗当中凝结的水汽，把水倒掉，为下个乐章做准备。有时这样的动作会让乐章之间的停顿时间加长。

由于其他乐手在台上通常不会有那么大的动作，所以木管乐手在停顿时更引人注意。

像小提琴这样的乐器本身非常敏感，随着时间与温度的变化音准会产生微妙的不同，所以，音乐会开始前几分钟，演奏员纷纷上台，等所有的人到齐后乐队首席便会带领大家开始对音，这也预示着音乐会即将开始，观众们安静下来，久而久之成了一种约定俗成的音乐会礼仪。

那么关于对音这一环节，具体是对哪一个音呢？标准答案是 C 调中的 la，它被称为标准音，几乎所有乐器均以此音为基础来进行调音，这个音在外部环境中的稳定性极好，听觉上也较为舒适，这样无论在什么环境下，音都能校准。

A 被称为音乐会音高（concert pitch），频率为 442 赫兹，而交响乐队的所有乐器中标准音最为稳定的是双簧管，所以就由双簧管给出标准音高。

大提琴的底部有一根金属棒作为支点，长短可以伸缩调节，在演奏时起到固定大提琴位置的作用。巴洛克时期的大提琴底部并没有现代大提琴的这一特点，演奏者用小腿夹住琴，底部支点是由一位名叫阿德里安 · 塞维斯的大提琴家在 1845 年发明的，目的是为了使大提琴在演奏时获得更好的稳定性。

现代大提琴演奏在力量和技巧方面提出了更高的要求，而音乐厅舞台地面通常较为光滑、坚硬，为了固定底部的支点进行专业演奏，会在下面垫一块 T 字板，T 字板上面具有多个档位的小孔，大提琴的金属棒则固定在 T 字板里。

哈哈这位朋友，这里可以很负责地告诉你，不仅指挥会生气，所有人都会很生气……

如果某一件乐器在乐章中进行独奏，那错音就会显得非常刺耳，大家会在第一时间感觉到，现场音乐会对于演奏家有着极高的要求，作为舞台表演艺术，艺术家必须将自己最好的状态呈现在观众面前，所谓台上一分钟，台下十年功。

理论上，乐器的布局是为了达到最佳的声学效果。作曲者在谱曲时会首先会根据自己的音响构建给出一个详细的编制，之后在作品演出时，根据场馆的情况、指挥的要求等诸多因素做进一步调整。

我们常常也看到有些指挥喜欢将大提琴置于乐队的外侧，这样声部效果较为平衡。弦乐声部肩负着整个交响乐队的半壁江山，它的布局事先根据曲目精心安排，并不会随意调整。

乐队的中间是管乐声部，由于管乐的音量略大于弦乐，所以在数量上略少于弦乐器，位置在弦乐的后面。最后排则是打击乐，由于打击乐器具有较强的穿透力又属于色彩性乐器，放在最后依然能够发挥良好的作用，出来的声学效果也更为理想。