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2025年春节假期刚刚结束，上海歌剧院排练厅内便热闹忙碌了起来。新古典国风歌剧《梦华录》的排练现场，导演蒋维国时而站起身为演员指导肢体动作和眼神，时而与指挥张诚杰讨论乐谱。这个春日，由上海歌剧院与腾讯视频联合制作、全力打造的新古典国风歌剧《梦华录》即将与观众见面。作为上海歌剧院2024—2025演出季的重磅新作，《梦华录》不仅延续了原剧的女性主义内核，更尝试以西方歌剧的艺术形式承载中国传统文化的精髓、讲好中国故事，并试图在西方歌剧形式与中国古典美学之间架起一座桥梁。《歌剧》杂志近日专访了该剧导演蒋维国，听他讲述这部全新歌剧的创制历程。
获英国利兹大学戏剧博士学位，先后任教于台北艺术大学、美国纽约哥伦比亚大学巴纳德学院，之后又担任香港演艺学院戏剧学院院长一职达8年之久的蒋维国导演，身上总是散发着淡雅清冷的气质，眼神中透着坚毅。蒋维国曾先后在国内外主演和执导过数十部话剧、戏剧与电视作品，此次是他首次从创作伊始便参与一部歌剧制作。当谈起这部全新创制的歌剧时，他的眼神瞬间热烈了起来。对于这部影视IP与歌剧首度融合的作品，蒋维国坦言：“这是一次充满挑战的创作。也正是这种挑战，让我感受到艺术探索的兴奋与意义。
”
新古典国风歌剧《梦华录》以北宋为背景，讲述三位出身卑微的女性在封建社会中自立自强、闯荡京城的传奇故事。电视剧《梦华录》凭借跌宕的剧情和鲜明的女性主题，成为一部现象级作品。“三个女子闯汴京”的故事，展现出赵盼儿、宋引章、孙三娘这三位出身卑微的女子在男权社会中不甘受歧视、不甘受欺压，凭借自己的勇气、智慧和力量在京城立足、发展的历程。然而如何将40集的电视剧浓缩为一部120分钟的歌剧，难度远超预期。蒋维国直言，改编的核心在于“抓住故事的灵魂”——三位女性在逆境中迸发的勇气与智慧。
“电视剧情节丰富，但歌剧需要更凝练的表达。”创作伊始，导演蒋维国便与编剧曹路生、作曲吕亮达成高度共识，将歌剧的主题聚焦于三位女性的精神内核——出身低微却不甘命运。他认为，这种自强精神跨越时代，与歌剧善于宏大叙事的特点天然契合：“观众不仅看到女性的力量，更会从中找到追求梦想的共鸣。”编剧曹路生在保留原电视剧剧情主线的基础上，删减了复杂的支线情节，保留了电视剧的核心冲突，如赵盼儿智斗周舍、宋引章挣脱桎梏等经典情节，再通过歌剧特有的抒情性与戏剧张力，赋予故事更深沉的表达。
导演蒋维国
同时，歌剧也借鉴元杂剧《赵盼儿风月救风尘》的文学元素，发挥出中国文学特有的优势，赋予唱词古典韵味。“电视剧中的元曲元素更多是符号化的引用，而歌剧则通过唱词的文学性，真正将唐宋时期的古典诗词融入现代音乐结构。”蒋维国强调，“观众听到的不仅是故事，更是中国语言的美感。”例如，主角赵盼儿与顾千帆的内心挣扎以咏叹调形式呈现，而三位女性的抗争则通过重唱与合唱层层推进。
歌剧《梦华录》最引人注目的创新，莫过于如何将宋代传奇与西方歌剧形式相融合。创作初期，作曲家吕亮面临两大难题：一是如何让交响乐与美声唱法传递“中国味道”，二是如何将宋代音乐元素自然融入现代曲式。蒋维国回忆：“我们研究宋代乐谱，但并非照搬古调，而是提炼其韵律与意境。”最终，音乐中不仅融入了五声音阶，还加入琵琶等传统乐器作为点睛之笔。“琵琶在宋代是市井文化的象征，它的音色既能渲染江南的柔美，也能表现市井的烟火气。”
以西方歌剧的框架承载中国古典音乐的灵魂，是此次音乐创作的关键。“美声唱法的恢宏与中国诗词的写意看似矛盾，但我们的作曲团队找到了平衡点。宣叙调便成为道白与咏叹调的桥梁。”蒋导解释，“在这部歌剧中，我们一定程度地保留了道白，但将它最大程度压缩，尽量通过音乐化的方式呈现。作曲家希望用音乐推动叙事，让情感在旋律中自然流淌。”这种处理既保留了歌剧的纯粹性，又让故事更易被中国观众理解。
导演蒋维国与指挥张诚杰商讨音乐
对于宣叙调的处理，导演与作曲团队反复推敲。“宣叙调承担了叙事功能，但中文的四声声调与意大利语截然不同。我们调整了旋律走向，让台词既符合汉语韵律，又不失歌剧的戏剧张力。”蒋维国举例道，“再比如角色念白时，会稍微拖长尾音，赋予其吟诵感，避免与歌唱段落割裂。”美声唱法与中国诗词的碰撞，将在《梦华录》的舞台上迸发出新的听觉火花。
“宋代的美，是淡雅中见繁华。”蒋维国如此概括《梦华录》的视觉基调。如何将淡雅、精致的气质融入歌剧舞台？蒋维国与舞美团队选择以“写意”破题。
歌剧《梦华录》舞台设计
舞台美术团队参考了大量宋代绘画，借鉴《清明上河图》的长卷式构图，在舞台上以竹帘、茶具、水墨屏风等元素构建汴京市井，还有大运河、城墙、钱塘等秀丽风景。通过竹帘、木构建筑等，构建出宋代市井与宫廷的空间层次。最具巧思的设计是“可移动的竹帘”——既象征宋代建筑风格，又作为场景切换的媒介；既是场景切换的“幕布”，又象征人物命运的明暗交织。“竹帘时而作为背景衬托茶楼雅座，时而升起显露出运河码头，这种虚实结合的手法增强了戏剧的流动性。”
在歌剧《梦华录》中，茶文化是一个非常重要的元素，茶具也就成为舞台上的重要道具之一。
剧中人使用的茶具选择经过大量历史考据，既还原历史感，又适应舞台效果。
服装设计同样参考了大量宋代画作，同时兼顾历史感与舞台表现力。
“服装不能只是复刻，更要兼顾演员行动与视觉美感。
我们参考宋代服饰的形制与色调，但简化了繁复的细节。
”蒋维国特别提到头饰的设计，“歌剧演员需要大幅度动作，过于复杂的头饰会限制表演”。
因而头饰采用简约设计，服饰则简化了纹饰，并以大块面对比的色彩突出人物性格。
歌剧演员通常以唱功见长，但歌剧《梦华录》要求他们同时驾驭古装仪态与戏剧表演。为此，从2024年12月开始，他便与编舞几形体指导马涛一起，带领主演和合唱团演员们开始了“专项训练”。在演员的肢体语言上，导演对演员们的要求不刻意照搬戏曲化的动作，但也不能像现代人一样随意，要从宋代绘画中提炼“日常的优雅”。“我们研究宋代人如何行礼、行走、饮茶，甚至如何倚栏远望。剧中茶馆场景中的合唱团演员，需要模拟宋代茶客的举止，甚至他们手持茶碗的角度都需要经过推敲。”编舞马涛为演员设计了许多融合古典仪态与现代戏剧张力的动作，以帮助演员们更好地展现角色的特点。“合唱演员不仅是背景，更是市井百态的缩影。”对于合唱团的调度，导演亦精心编排站位与走位，力求在群体场景中营造“流动的画卷”之感。
歌剧《梦华录》人物造型方案
排练现场，钢琴声与歌声交织，演员们正反复练习一段带有合唱的场景，蒋维国要求演员用歌声传递各角色不同的性格，“用声音塑造角色”：“三位女主角的性格截然不同——赵盼儿外柔内刚，孙三娘泼辣直率，宋引章内敛敏感。她们的咏叹调在音域、节奏甚至呼吸方式上都有差异。”为了做到这一点，他要求演员们在排练中不断地去揣摩角色的内心世界，去感受角色的情感变化。排练中，导演尤其注重“反差感”。“比如顾千帆这个角色，他在电视剧中被塑造得比较‘酷’。而在歌剧中，我们希望他刚柔并济。在剧中我们特意加入了一段他吟诵诗句的情节，通过这段来展现其坠入爱河时柔情甚至天真的一面。”
蒋维国认为，歌剧的优势在于用音乐放大情感，“一段咏叹调足以让角色立体起来”。“歌剧的灵魂是音乐，但戏剧的骨架必须同步生长。”他形容创作过程如同“搭积木”——作曲家先提供钢琴谱与主旋律，导演根据音乐设计舞台调度，指挥最后再协调乐团与演员的配合。这种高度协同的模式，对团队默契提出了极致要求。蒋维国提到，作曲家在创作过程中，每完成一场音乐的初稿，都会立即让指挥与他共同试听，并提出修改意见。
距离首演仅剩月余，蒋维国坦言“压力与期待并存”。最大的挑战来自“时间”——目前，六场戏的粗排框架基本完成，但细节仍需打磨。“边修磨边排练，就像在高速行驶的列车上组装零件。而歌剧一旦进入乐团排练阶段，任何改动都可能牵一发而动全身。”尽管如此，导演对《梦华录》的首演仍充满信心。“当西洋乐器与琵琶共鸣，当竹帘后的光影映出汴京繁华，我相信观众会感受到一种跨越文化的美。”
新古典国风歌剧《梦华录》的创制，不仅是将古典故事搬上现代舞台，更是一次对中国艺术传统的重新诠释。蒋维国用“融合”二字总结这部作品：“融合东西方的音乐语言，融合历史与当代的审美，最终融合成一种属于中国的歌剧表达。”
首演在即，这部集结了古典文学、宋代美学与西方歌剧的作品，或将为中国原创歌剧开辟一条新的路径。这部作品能否在歌剧史上留下独特印记？答案或许正如导演所言：“艺术的价值不在于完美，而在于探索。我们已迈出第一步，剩下的交给时间与观众。”
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