正文
题图：威廉姆 艾格斯顿肖像
威廉姆·艾格斯顿 （William Eggleston）是活跃于上世纪七十年代美国当代摄影先锋，也是现代彩色摄影的始祖，他开创的『新彩色摄影』思想与风格影响了后来的一大批摄影家，包括史蒂芬·肖尔（Stephen Shore）和格利高里·克鲁德逊（Gregory Crewdson）。艾格斯顿所拍摄的题材在当时并不多见，多是以生活边角为题材的细节，一辆车，一堵墙，一面窗，甚至是自家的冰箱都可能成为艾格斯顿拍摄的题材，但他常以一些不寻常的视角来呈现这些寻常的景观，给观众带来一种离奇的感受。
1939年出生在美国田纳西州的曼菲斯市的一个中产家庭，从小艾格斯顿对音乐，电子和制造感兴趣，接触过一点艺术，但是直到进入大学之前都没有正式的接触过摄影。中学时他曾进入一所寄宿学校，在后来的访谈中他表示曾经在这所学校中感到非常的绝望，学校守旧的，斯巴达式的教育让使他抗拒。但这段经历似乎激发了艾格斯顿反叛的心理，导致日后他的很多作品可以完全忽略别人对他的看法和评价。
艾格斯顿是个不喜欢服从规则的人。这种性格后来不断的体现在他的作品即经历上，从进入大学开始，五年之内他换了至少三所学校，并且最终没有拿到任何学位。艾格斯顿18岁时站在范德堡大学学习，在这一年他得到了自己的第一部相机，一位朋友赠送了一台徕卡给他。在得到了这部莱卡之后，艾格斯顿沉迷拍照不能自拔，不久之后就愉快的退学了。此后他还是自学摄影，并且非常享受拍照的过程，这期间他拍摄了大量的黑白作品，但还都处于爱好者的水准。
艾格斯顿早期拍摄的黑白作品，受到布列松的影响，但是这时的作品看起来并不完美，有评论家指出艾格斯顿这时的作品会有一些瑕疵，比如在这个环境中相机并没有保持水平并且透视没有得到很好的处理。
艾格斯顿的另一张黑白作品，看起来似乎是受到了罗伯特·弗兰克的影响。
后来他在密西西比大学接受了一些正规的艺术教育，此间他遇到了很多艺术家和评论家，向他们学习，并且获得作品的反馈。看过他作品的人都发现他非常喜欢抽象和前卫的艺术。
在这个时期，大约1950年前后，艾格斯顿获得了一台柯达生产的Brownie相机，从此开始拍摄彩色照片，并在百货商店用廉价的相纸印刷照片。Brownie相机虽然可以拍摄彩色照片，但是只是被当作玩具，它的地位就如同今天的小型宝丽来，但艾格斯顿并不在乎这些。然而，彩色摄影在当时的处境和地位并不像今天这样。首先，彩色照片当时通常被当作是一种商用的摄影形式，想要制作真正的彩色照片通常需要大量的设备和药剂，这些工具非常昂贵。在当时就连黑白摄影都被视作是富人的玩具，而彩色摄影更被看做是一种非民用的工具。更重要的是，由画廊、博物馆，评论家和策展人们组成的艺术世界并不承认彩色摄影是一种艺术形式，在那个年代被承认为艺术的只有黑白摄影。由于当时对于彩色摄影的认识仅限于商业照片，一些著名的艺术家例如 沃克 埃文斯（Walker Evans） 就公开表示，『彩色摄影是粗俗的』。
但这些并没有影响艾格斯顿对于彩色摄影的兴趣，在近十年的拍摄中他只是纯粹的享受这种通过彩色记录生活的快感，甚至没有将自己定位为一个艺术家。此间他认识了画家William Christenberry，画家看到他的作品表示非常欣赏，经常怂恿艾格斯顿去做一个职业摄影师。艾格斯顿有些动心，但是后来他发现自己的作品并不能被广泛的接受，这多多少少令他感到有些沮丧。
直到1969年，艾格斯顿30岁的时候，他与MOMA摄影部的总监萨考斯基（John Szarkowski）有了一次重要的会面，这次会面彻底的改变了他的人生，也改写了摄影史。萨考斯基是一位威望极高的摄影策展人，在摄影界的地位如同教皇，他曾经挖掘并发现了很多有名的摄影师例如加里 温格兰，当然，还有艾格斯顿。萨考斯基发现艾格斯顿拍摄的彩色照片拥有丰富的视觉语言，并且对于色彩的运用非常有趣。在慎重的思考之后，萨考斯基说服了MOMA购买了一些艾格斯顿的作品，这也为他后来在MOMA的展览打下了基础。
到了70年代，艾格斯顿进入哈佛大学，成为了一名老师。在同时期，柯达公司将一种古老的彩色印相方式，彩色染印法（Dye Transfer），包装成系统，并推出了一整套包括相纸和染料在内的材料。这些专用的材料设计精良，高质量的染料可以帮助摄影师获得丰富的色彩。即使在今天，通过彩色染印法制作的照片也是色彩最丰富的图像，数码照片和喷墨打印完全无法与其媲美。这种精巧的印相方式是通过三张透过不同颜色滤镜拍摄的黑白照片叠加来获得彩色图像的，类似于版画，虽然能获得最好的色彩，但是制作过程非常复杂。1994年，由于柯达的没落，彩色染印法的原材料停产，直接导致了这种技术的灭绝。如今只有少数在当年囤积了大量材料的工作室还在小批量的制作彩色染印照片，价格及其昂贵。
回到70年代，艾格斯顿进入了成为了哈佛大学的老师，这也使他可以有更大的空间进行创作，并且在这个时期他接触到了彩色染印法，开始通过这种方式制作大量的照片。那张最著名的红色天花板就诞生于这个时期：
Untitled，1973
在我们今天所处的环境中看这张照片，普通人可能觉得并没特别之处。如今有无数的彩色照片散布与互联网、图书甚至是街头巷尾。但是当回溯到以黑白摄影为主流的70年代，这张照片的出现，就如同我们在今天看到NASA发布黑洞的照片一样令人激动。这个作品在当时是史无先例的，是具有突破性的。在视觉上，这种大面积的红色让人们有了一种黑白照片所不能带来的亢奋的体验。同时，通过彩色染印的方式制作，也让大片的红色有了丰富的过度和层次。在精神上，照片中塑造的场景会让人有一种荒诞的体验，天花板为什么是红色的，以及那些电线为什么以如此诡异的方式附着在天花板上，这些想法会让我们有一种观看恐怖片场景的感受。作品右下角墙壁上悬挂的具有性暗示意味的图片，也许是作者无意中拍下的，但是这种细节进一步加强了荒诞感，试想如果没有这些图片，没有左下角的窗框，那么这张图像在空间感受上可能会有一种完全不同的体验。
1976年，MOMA举办了一次重要的展览，Color Photographs by William Eggleston，这次展览被视为是当代摄影的分水岭以及一个开天辟地的时刻，也是彩色摄影到当时为止最大规模的展览。这次展览确认了彩色摄影在当代艺术中的席位，使人们开始广泛的接受彩色摄影。同时，也将将艾格斯顿载入了摄影史。
这次展览凑齐了天时地利人和，首先时代和历史的压力与技术发展推动了彩色摄影的发展和人们对于色彩的认识，从1880年彩色摄影诞生的一刻起我们几乎就可以遇见到它的未来，只不过由于彩色摄影的复杂性，足足用了100年才爆发出来。然后，艾格斯顿对于摄影的天赋和对于色彩的独特感受在他的作品中可以充分的表达出来，这是彩色摄影爆发的基础。最后，萨考斯基的慧眼与远见帮助他发现了艾格斯顿，并且最终通过他的能力和地位将这种发现展示给了所有人。至此，天时地利人和，一样不差，彩色摄影终于在1976年成为了艺术的主流。随后涌现了大量包括史蒂芬 肖尔在内以彩色形式和载体拍摄照片的艺术家，新彩色摄影也成为了一种流派。
艾格斯顿老年的肖像
一些艾格斯顿其他的作品：
这辆三轮车为什么看起来这么大？这种对于透视的把玩，在当时的影响就如同今天“鸽子为什么这么大”的梗。
艾格斯顿拍摄的自家冰箱，蓝色的运用给人一种冷气扑面的感受。
复合的彩色，构成了视觉语言的来去与交互。
身穿深蓝连衣裙的女人坐在黄色的路肩上
昏暗的色彩，对应着一些情绪
在整理和编辑 威廉姆 艾格斯顿的信息时，我惊讶的发现在中文网络上对于他的详细介绍居然寥寥无几，而询问了周围的摄影爱好者，他们大多数人也表示不知道这个摄影师，少数人知道但是也不甚了解。于是我将艾格斯顿的故事和对他作品的解读从英文文献和纪录片中整理出来，制作了一期Live并收录于『当代摄影管片指南』的系列课程当中。以上的文字简单的描述了艾格斯顿的经历和作品，如果我引起了你对他感兴趣，想听更多作品的解读以及相关摄影史的探讨，请收听这期Live的录音。
