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“我不是特别技术型的摄影师，” Adam Arkapaw亚当·阿卡抛说道，“我算是个探索型的摄影师。”拍摄过《动物王国》、《麦克法兰》、《大洋之间的灯光》、电视剧《真探》，但他的生涯可以说离不开导演Justin Kurzel贾斯汀·库泽尔，他们合作的作品包括《雪镇狂魔》、《麦克白》和前段时间刚在国内上映的《刺客信条》。根据Ubisoft畅销同名游戏改编，Michael Fassbender迈克尔·法斯宾德饰演的角色通过高科技链接15世纪西班牙祖先刺客的记忆，试图改变人类的命运。虽然这部电影充斥着动作和特技，但导演Kurzel和摄影师Arkapaw说拍这部片子和之前拍独立电影的方法是一样的。让我们看看下面moviemaker对这对老搭档的采访中他们是如何看待摄影在电影制作中的角色。
寻找你真真切切喜欢的摄影师，能和你互补的摄影师
Justin Kurzel (JK): 在你刚开始拍电影时，组建自己的圈子，选择和你在同一水平的同僚并和他们建立起稳定的关系对之后的发展是很重要的。这样你会有个全新的视角，因为你们都是初生牛犊不怕虎，一起去做这件事情。拍电影是个非常折磨人的苦差事，所以你必须得和你真的喜欢的人一起，能和你一起承担的人。我最大的建议是：抚育那些人际关系。你会得到信任和忠诚，最后出来的作品也更会有种一致性。
导演Justin Kurzel
Adam和我喜欢黏在一起，这在人际关系中是很重要的表现。你们在一起的时间非常长，比如我和他上的同一所电影学院，我和他拍了我第一部广告，我们大概在一个时候开始拍电影。我们之间没有阶级的关系。但如果你是初出茅庐却和一位经验丰富的摄影师合作，那就是另一码事了，这种关系可能就有问题，摄影师基本是手把手教你怎么拍电影。
Adam Arkapaw (AA): 你对有些人的反应会比其他人多。要寻找你和别人有什么相似之处，你们对事情的看法和反应是不是一致？这刚开始比较难看出来，但电影这行最好还是能学会察言观色。有些导演喜欢咄咄相逼，什么事都要争，他们通过这种方式明确什么是该做的，有些摄影师也是这样。其他人可能就比较放松。
摄影师Adam Arkapaw
JK: 我一直很喜欢Adam这点，我是个爱幻想甚至是刻意幼稚的人，但Adam总是极度实在。他总是知道所有的可能性，因为他会想我们有哪些限制，然后相处最有创意的解决方案，不像我，我总觉得什么事都能做成我什么都想要，但实际并不可能。
我们以前在剧组里说话聊天都非常亲密，现在我们不怎么说话了。当我们有想法时，因为太信任对方了，我们会立马去执行。从来就没有过多的争论。我们不是矫揉造作的人。我们之间是种互生的关系，我们很少和其他人有这种关系，可能要比应该的要少的多。有的时候可能会让一起工作的人很为难，让他们去猜我们俩之间的沟通语言。小规模的剧组还好，要大剧组就比较麻烦。
从你最喜欢的电影取经
AA: 做摄影最大的好处是你能通过看片去学。看别人都是怎么拍的，探索你手头上有的工具。不管你最喜欢的电影有哪些，你都能轻易的找到它们是用什么摄影机和镜头拍的。这时候你应该开始想你自己的电影应该怎么拍。我一直喜欢挨个把我们摄影师的法宝，比如反差、景深、色彩、运动和构图，尝试它们的极限。如何去运用这些工具来增强你的叙事？不耻下问，很多比你经验丰富的摄影师能给你指导。
拍测试之前务必先堪景
AA: 带着相机摄影机去拍摄的地方去拍素材去实验。提前看到场地并拍照记录会让你更轻松地做出色彩上大胆的决定，因为那些照片已经提供了一个色彩库。拍照其实就可以，不一定非要用最后用的器材。
JK: 我们很受环境的启发。《雪镇狂魔》中出现的澳大利亚的实景，有种非常哥特式的样子和感觉。我们看了很多绘画种的光线，比如帕尔米贾尼诺的和培根的。片子中的房子矮小又封闭，和周围的景观形成鲜明的对比。《麦克白》则是集中表现苏格兰的风貌，我去苏格兰观察哪里的光和色，拍了很多照片并且去调色。我通常会收集大量的照片。将自己沉浸在那个环境和氛围中，电影的样子自然会显现出来。
AA: 测试曝光，然后回到调色台上尝试不同的调色。尝试尽可能多的方法和过程。和你的调色师保持开放真诚的对话，明确你的期待和目标。一定要在前期就把他们拉进来。这是个协同合作的艺术形式。如果一部电影我只做我想做的，那我所有的电影都会看起来一样。在我合作者的品位范围内寻找我也认同的东西，是挑战也是乐趣。
画故事板，然后忘了它
AA: 做故事板或者镜头表的好处是，真正开拍的时候，你心里清楚你已经彻底的把这个场景想透了，你已经做了能增强故事的决定，而不会晚上回到家想“哎呀我应该做这个做那个的”。你前期准备的时候花了足够的功夫，利用更充裕的空间去尝试不同的选择，避免现场手忙脚乱。
JK: 有的片子故事板做的很详细，有的时候我会对它感到厌倦。我更关心即刻发生在我眼前的事情。我总是担心故事板做的不够详尽，但每次我画了故事板，我却一眼都不看。我和Adam亲眼看见的演员和环境要比纸上的画更让人兴奋。我们还是会去画去看，但不会把它奉为宝典。我们不会看着它说“这个镜头没拍着好可惜”。一旦开拍，你压根就没工夫回头看这些。如果你清楚要拍哪些镜头，故事板就没什么必要。
AA: 你必须得会临机应变。可能准备的时候你想拍这个方向，到真的拍的时候你觉得另外一个方向更好看；可能你计划把太阳做背光，但拍的时候是阴天，但远处乌云密布。天气能改变一个场景的基调，无论你在会议室里花多少时间幻想，这种事情都是可遇不可求的。
不要钻预算的牛角尖—它没你想的那么重要
AA: 我我觉得人们在看一部低成本的电影时还是挺“心慈手软”的。重要的是电影的味道要对，视角要明确。电影像是个妥协，画家可能一年一幅画，但你每天得拍8到50个不同的镜头还要打光，所以你永远在做让步。
这些年头，不管是低成本还是大制作用的数字摄影机都是一样的。只要能拿到，镜头可能也会是一样的。拍《刺客信条》的时候我发现，即使这么大的制作大家的心态还是那样，没人想多花一分钱如果没有必要的话。你还是在求人，这么借，那边拿你想要的。
JK: 我们当时想用16mm胶片拍《雪镇狂魔》，因为成本和数字差别不大，而且胶片的颗粒感是我们想要的。但《麦克白》我们就拍不起胶片了，情况不允许。不过我们想拍长镜头不间断，而且用数字摄影机拍历史题词也应该挺有意思。《刺客信条》用ARRI Alexa拍的，因为有非常多的特效，所以用数字拍是不二之选。我原本是个胶片控，但自从和Adam拍Alexa之后，我开始很喜欢它带来的画面层次。
拍像《刺客信条》这样的电影，你很容易被淹没在演员、特技、美术、服装等等各种各样的事情中。我们必须边拍边想。这是我们第一次有这么大规模的动作戏，我们第二摄制组人手非常有限，所以很多场景必须我们自己来拍。这部戏很重要的一个地方是给动作和跳跃带去一种连贯性—实打实地从一栋楼跳到另一栋。Adam对如何快速地移动机位很感兴趣，我们用了飞行器还有缆绳去拍复杂的动作场景。
帮你的演员和镜头同步走，而不是对着干
JK: 我觉得拍非专业演员的时候得把摄影机藏起来，不过那是不可能的，你永远都会被看见。只不过时间久了，那个环境就变得熟悉了，他们不再感觉到威胁，而感觉是那儿的一部分。
Adam对演员有种低调却崇高的尊重。他想只猫一样，感觉不到他。他也变成了表演者，随着场景的韵律而移动。你能看出Adam对表演有解读，我能从他移动镜头中看出来他和演员的步调是一致的；而有的DP连看都不看，他们觉得演员就是个道具。好的DP能影响演员，并且喜欢待在他们身边。
AA: 让他们感到自在。能和他们建立个人关系是件好事。确保他们熟悉剧组里的人。拍《雪镇狂魔》的时候，每天拍完我们都会待在一起喝杯啤酒，这是了解他们并且获得他们信任的一部分—建立那种甚至能掏心窝的关系。
比如有时候把摄影机贴着演员的脸会妨碍他们的表演，这时候你就得重新思考。不过，大多数专业演员都能顺着你的美学走，不管是多广的镜头贴着他们，甚至是偷窥。
把表演放在第一位，然后再考虑好不好看
AA: 我和《指环王》的摄影师Andrew Lesnie有过些接触，他有句话我一直记得：不管你拍的多么漂亮，除非演得好，不然没人会去看。你可以让所有人等到落日然后只拍一两条，可能画面很漂亮，但演员只有一两次机会，演的很糟糕，那这就是搬石头砸自己的脚了。我喜欢问主演他们想要先拍他们的镜头还是后拍。法斯宾德喜欢先拍他的镜头，但有的时候想要最后一个拍。一部电影是绕着主演的，所以我想和他们建立一种能让他们给出最佳发挥的合作方式。
JK: 指导演员是我最喜欢的事情。我们最大的挑战是如何让你的演员觉得他们可以飞檐走壁，无处不在，无话不说？我喜欢凌乱又出于本能的事情。Adam也是，他想让视觉语言是自发性的。很重要的一点是，要让一部电影有种新鲜感而不是拘泥于各种设置，但同时不能丢失你视觉语言中的确信。
《刺客信条》幕后拍摄花絮
摄影师Adam Arkapaw史诗般的《麦克白》混剪
《从你的全世界路过》
《匆匆那年》
《微微一笑很倾城》
《一个人的奥林匹克》
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