为日本传统手工艺与现代设计搭桥，画廊还可以这么玩

今年的龟仓雄策奖早已揭晓，接下来的4月8日至5月20日，第22届龟仓雄策奖获奖纪念展，即获奖者菊地敦己的个人展览将在Creation Gallery G8画廊举办。这不是Creation Gallery G8第一次为龟仓雄策奖获奖者承办展览，这座位于东京银座的设计画廊，从 1985 年开业至今，总能在各类视觉传播的活动中露面。甚至，Creation Gallery G8每年能招来一百多位日本鼎鼎有名的设计师、艺术家为其“CREATION Project”创作，我们熟悉的葛西薫、仲条正义等都在其列。这家画廊究竟有什么魅力，今天一探究竟。

龟仓雄策是日本现代平面设计的奠基人之一，他发起创立了日本平面设计师协会JAGDA并担任第一届会长，JAGDA 每年会评选出龟仓雄策奖、JAGDA奖、JAGDA新人奖、JAGDA海报大奖四个大奖的获奖者，来表彰年轻设计师们富有创造力的设计。

今年第 22 届龟仓雄策奖颁给了菊地敦己，武藏野美术大学出身的他曾获JAGDA新人奖、ADC奖、日本包装设计大奖、原弘奖等多奖项，目前在Creation Gallery G8展出的就是他的个人展。

事实上，抛开龟仓雄策奖的头衔，菊地敦己已在Creation Gallery G8参加过18次展览，上一次他的个展在 2013 年，名为 “Creation Is Free. Production Needs Fee.”日常的物件在菊地敦己的风格下有了一些童趣，颇有细节，十分耐看。

去年，获得第 21 届 龟仓雄策奖的色部义昭也在Creation Gallery G8举办了展览，他为大阪市高速电气轨道・地铁做的CI设计《Osaka Metro》在展出之时就已投入使用，这组作品庄重严肃，公共性极高，设计师希望初来乍到的人也能一目了然地进行识别。

在此之前，分别囊括每年龟仓雄策奖的设计师中村至男、渡边佳慧、三木健、佐野研二郎、葛西薰、平野敬子、涩谷克彦也分别在Creation Gallery G8举办过个人展。

Creation Gallery G8为龟仓雄策奖获奖纪念展提供场地始于 2011 年，这一年，JAGDA将 1999-2010 年间所有获奖作品集中展出，回顾了这个时代头十年的平面设计大作。

今年办展的菊地敦己，早在2006年就参加了一次JAGDA新人展，与関本明子、高井 薫一起，这是他和Creation Gallery G8的第一次会面。

而为龟仓雄策奖获奖纪念展提供场地之前，Creation Gallery G8已经开始给 JAGDA 的新人设计师一席展览之地。作为 RECRUIT 企业社会责任活动的一部分，Creation Gallery G8 致力于通过举办一系列与平面设计、艺术有关的展览，向公众介绍各种日本设计师、艺术家的作品，不仅有大师名作，刚崭露头角的新人也位列其中。十多年后，当初以新人身份出现的菊地敦己如今已成为了日本设计界门面担当中的一员，种花得花，Creation Gallery G8其实种下了设计的希望。

2016 年，当时刚成立两年的年轻动画工作室Tonko House就在Creation Gallery G8举办了他们的第一次展览。曾创作过《玩具总动员 3》《怪物大学》的堤大介和 Robert Kondo曾是皮克斯动画公司的艺术总监，为了从创意艺术中寻求更大的挑战，他们创办了自己的工作室，从第一部独立动画短片《The Dam Keeper》做起。

这次的展览名为 “The Dam Keeper’s Journey水坝守护者之旅”，介绍了《The Dam Keeper》中表达的世界观和各种艺术元素。堤大介和Robert Kondo也为这次展览煞费苦心，还带来了专为此展览制作的两件作品：一件由日本定格动画工作室Dwarf制作，另一幅与东京微缩景观艺术家Satoshi Araki合作制作。

从日本本土的新锐设计师到年轻而活跃的加州动画工作室，Creation Gallery G8这家并不算年轻的设计艺术画廊让年轻人可以被“看见”。这不禁让人再次想起龟仓雄策，他在创办平面设计协会时已经是很有资历的“老人”了，但他从来不标榜资历，反而最喜欢和年轻人站在一个起跑线竞争，也借此检验自己的作品和创作心态是否仍保持年轻。

Creation Gallery G8也许只是日本平面设计的一个缩影，为年轻设计师提供舞台的活动并不少见，永远有新人在冒头，大师们也在追赶中保持着年轻的心态，或许这正是日本平面设计细水长流至今天的秘诀。

从为新人设计师提供大舞台已经可见Creation Gallery G8的社会责任感，而CREATION Project这个项目将公益与优秀设计结合，则是表达社会责任感与设计传播使命的满分创造。

这一项目始于 1990 年，画廊成立五周年的节点，每一年，Creation Gallery G8都会举办一次慈善性质的展览，将设计与艺术无偿地传播给更多人，从2009 年起被正式命名为CREATION Project。2011年3月日本大地震（3·11大地震）发生之后，这个项目的重点转向了资助日本东北地区的物资生产。每次展览都会有一项受灾地当地小有名气的手工制品作为主角，CREATION Project会邀请大量优秀的设计师和插画师就此进行创作，而后将作品展出并商品化，售卖所得捐赠给公益组织。

在2011 至 2015 年的五年间，CREATION Project通过这种方式为东日本大地震捐赠了约 1134 万円，不仅仅在资金上伸出援手，也鼓舞和重振了当地的制造业，是一种更具有长远意义的援助。同时还能进一步宣传设计、艺术，也是一石二鸟的可贵创想。

2019 年，十分有日式风情的 “风吕敷”（包袱皮）成为被创作的主角，这些风吕敷全部采用“手捺染” 工艺，这是日本传统布料京友禅的染色工艺之一，与现在流行的丝网印刷比较相似。负责制作这些风吕敷的工厂来自京友禅的发源地京都：已有 460 年历史的京友禅老铺 “千總” 和专门制作风吕敷的百年老厂 “馬場染工場”。从平成到令和，时代停不下前进的巨轮，经典的工艺与现代的设计碰撞在一起。

参加这次CREATION Project的共有167 位艺术家和设计师，浅叶克己、仲条正义、中村宪造、汤村辉彦、宇野亚喜良等大师级的人物都参与其中。

浅叶克己的这幅作品灵感来自他高中时读过的小说——中岛敦的作品《山月记》，这个故事改编自中国唐代传奇小说《人虎记》，讲述了郁郁不得志的诗人李征化身于虎的故事。文中的老虎是孤独的，画面中大量的留白和角色的对立感也正体现了这种孤独。

仲条正义则把他的作品《Mother and Others》系列海报中的一幅拿来创作到风吕敷上，火车头吐出了无边无际的烟雾，正微笑着向观看者驶来。当画面变成单色后，整个的意境又有所不同。

青木克宪为了庆贺鼠年的到来，选择了老鼠为主题，他与插画师搭档久保诚二郎的一组好玩的老鼠漫画印在了风吕敷上。这组漫画不需要文字也能看懂，十分有吸引力。

宫下良介设计的风吕敷不仅好看，而且具有多重身份，经过巧手一卷，它就变成了纸巾盒，耐用且环保。风吕敷上的这些白色圆圈还藏了彩蛋，每一个都是和有芯卷纸同等大小，可能设计师在创作之初就定下了它的真实身份。

高田唯的灵感来自祖母家的衣橱，这种怀旧的图案让他的回忆掠过脑海，留下温情的时刻。这一次展览的宣传海报也是出自高田唯之手。

宣传海报上的插画则是由插画师一乗ひかる绘制的，她在自己的风吕敷作品里希望传统事物与现代事物能长久并存，被更多人喜爱接受。

展览中亮相的风吕敷最后都进行了量产，以 1600 日元的价格对外销售，所得捐给了日本儿童救助会以及应援 2019 年登陆日本的 19 号台风灾害。

2018 年，167 位设计师、艺术家对豆皿进行了创作，这种小小的食器在日本料理中十分常见，大多用来盛调料或者配菜，作为摆盘艺术中不可缺少的一种，往往造型和图案都极其精美，给了创作者们很大的发挥空间。

这一次合作的 大堀相马烧是江户时代福岛县浪江町的传统工艺，距今约有 300 年的历史，奔马图案是大堀相马烧的特点，深受当地人的喜爱。但浪江町距离福岛第一核电厂仅 20 公里，东日本大地震后， 6 年间这里罕有人至。曾经的 25 座大堀相马烧的陶窑在灾后也纷纷迁移到日本的其他地方，传统手工艺陷入了自己的灾难中。

2017 年，浪江町再度开放，陆陆续续有人迁回，这一年的CREATION Project也希望能为振兴大堀相马烧手工艺贡献一些力量。

作为传统，奔马图案在这回的创作中不少见。

曾获 JAGDA奖的 鎌田順也把马驹可爱化，变成了“奔跑的豆子。”

福澤卓馬用折纸和线条的创意抽象化了一匹马，希望能带来新鲜感，传统的裂纹与童趣化的小马组合也确有新意。

福島治给马安上了腾飞的翅膀，他希望大堀相马烧能够克服核事故带来的影响，自由奔跑，再次复兴。

湯村輝彦一直以来都是以马为创作对象的插画家，这次的创作正中他下怀，人们常说“如果不能很好地画马，就不能称其为一流的画家”，湯村輝彦对此深有感触。

除了以马为创作主题，有的设计师也会从实际使用上出发，加点小创意。

岡室健所画的这只眼睛看似简单，但包含了对使用者的关心。过量的酱油对身体并不太好，在这个盘子上只要倒上适量的酱油，就会出现完整的眼睛图案，时刻提醒酱油爱好者们不要过量。

在日本的民间传说中，当河童远离水源时，它们必须在凹陷的头顶装上足够的水，以维持它们的神通。岡田善敬的这个河童图案的豆皿用来放酱油再合适不过，倒入适量的酱油，或许河童就会大显神力。

这一次所有的作品以 1000 日元的价格售出，每一件都是设计师与陶艺人手工制作，尽管陶土和釉料由于地震而变得完全无法使用以致被替换，但手工制品的那份独特温度还是不变的。

“つつの靴下” 指没有后跟的袜子，意味着没有尺码的局限，大人和儿童都可以穿着。这个不设限的事物正是 2017 年CREATION Project的主角。

从上个世纪 90年代起，日本本国的袜子制造产业日渐低靡，这一次的展览与大阪一家成立于 1933 年的袜子老厂Higuchi针织工业有限公司合作，试图唤醒日本的袜子制造业。

展出的 167 双具有设计感的袜子都以平价销售（长袜 2100 円，短袜 1800 円），收入所得亦捐赠给公益组织用以解决儿童的贫困和防止虐待等问题。

前来看展的人中，以年轻的女生居多，插画家宇野亚喜良的袜子获得了最多青睐，荣登销量排行榜TOP1。这位昭和时期的插画家、画报设计师代表之一以鬼才插画家著称，如今已经83岁高龄的他设计出的袜子依然是现在年轻潮人的心头好。

设计师 えぐちりか的袜子设计也十分鬼马，整齐排列的小圆圈被她称为章鱼脚上的吸盘，穿上这双袜子，可能你的脚也会像章鱼一样灵活吧。

插画师 Paul Cox 父亲的名字 Harry Cox 与 “Hairy Socks” 谐音，因此他总联想到毛茸茸的袜子。这一回，他将想象变成了实物，这双袜子用来送给父亲也十分有趣。

久保悟把袜子变成了多孔的马丁靴，不知道有没有戳中你的萌点。

2016 年为了应援熊本大地震的重建，CREATION Project以杯子为创作对象，采用熊本县天草地区出产的陶石，并交由同样位于九州的有田和波佐见的工厂烧制。

岡田善敬将杯子变成了一个游戏机，喝水可能也会成为一种打怪升级的过程。

柿木原政広的则十分有禅意，树木每日摇晃且生长，今年也会继续生长，但不动摇。

飯田竜太是一位雕刻家，他曾在受灾现场进行过援助，在他看来，这次的设计活动则让帮助的门槛变得更低，购买、捐赠也能成为一种帮助。

在此之前的 2011-2015 年，印染帆布包、夏威夷衫、石卷防水包、东北和缀手账、伊达针织毯都分别被一百多位设计师、插画师、艺术家等进行设计并销售，给不少灾区提供了援助。

Creation Gallery G8的魅力可能正是日本设计的魅力，不止停留在电脑、纸张上，而是成为一种力量，帮助传统的手工艺复兴，为受灾的人提供援助。

设计的力量远比我们想象中更强大，优秀设计师聚集起来的力量更是如此。我国亟待复兴的传统手工艺恐怕也不在少数，用设计的力量为其铺路，或许是一个值得借鉴的好办法。