“美学、声学、共生”——2024台湖舞美国际论坛在北京艺术中心顺利开幕

▲全体嘉宾、专家合影

▲第一场论坛由北京广播电视台主持人孙扬担任主持

▲台湖舞美国际论坛宣传片（往期回顾）

中国舞台美术学会领导：

以及各省市舞美学会领导代表、舞台艺术工作者等共同出席了开幕式。

他表示，在当今舞台上，舞台美术已经不再局限于自身视觉美学的纵向深入，而是与声音、光影、虚拟技术等多重元素交织融合，使得舞台成为一个综合艺术的载体和空间。2024台湖舞美国际论坛以“美学、声学、共生”为主题，旨在深入探讨戏剧舞台上视觉美学与听觉美学的内在关联与相互影响，以及它们在同一个时空中如何共同塑造出无与伦比的舞台体验。美学作为艺术的核心，塑造了舞台上的视觉世界；声学则丰富了舞台的感知体验，使声音在空间中不仅仅是背景氛围，而成为情感表达和叙事的重要媒介；而“共生”，则代表了在美学与声学、艺术与技术、表演与欣赏的互动中创造出和谐共存的艺术形态。

在“美学、声学、共生”课题和理念牵引下，期待看到更多跨学科、跨专业的合作，期待更多科技与艺术的完美结合，期待更多传统文化与新理念、新方法的焕新呈现，期待更多舞台美术与戏剧内容的相互融合、相互成就。一切创作都应既根植于人类的历史，又探索于世界的未知。中华民族5000年绵延不断的文明史，全世界多姿多彩多样的文化，为我们艺术创作提供了丰富营养和深厚底蕴。

站在数字、智能、AI等新技术的制高点上，期待全世界的艺术家携手并肩，充分发挥文化艺术养心智、育情操的作用，向善而为，向美而行，从人类各美其美、美美与共的灿烂文明中汲取灵感和力量，创造出更加震撼人心、传之久远的的艺术精品，共同构筑属于艺术高峰和文明高地。

他表示，在国家大剧院和中国舞台美术学会的共同努力下，每年这个时候我们都在台湖相约会聚，今年已经是第六届了。来自世界各地的同行专家，围绕舞台美术这个核心话题，从不同的角度共同讨论，使这一盛会逐渐丰富、充实，成为一个享誉国际的学术品牌。

此次话题基于表演设计的完整性，探索戏剧空间与场域的突破。本届论坛主题为“美学·声学·共生”，邀4位外籍及20余位国内艺术家，探讨当代剧场艺术中表演、空间与视听关系。21世纪表演空间激发多感官体验，“舞美”已超越“舞台美术”，成为本土戏剧时空的当代表达，如“园林”兼具表层与深层文化意涵。未来舞美将在数字技术下，提升视听叙事至新高度，展现文本多重意义。论坛还探讨音乐剧视觉美学构建与舞美教育、人才培养，以及音乐剧与舞台科技共生趋势。

当代剧场艺术的魅力，就在于其集合了所有物质与虚拟的表达方式，并以视觉美学与听觉美学的共生为契机，激发多重感官审美，形成永无止境的创新空间。当然，想方设法调动舞美视听元素的能动性，其最终目的仍然在于回归戏剧艺术的本体，给观众带来千变万化的舞台体验。可以预见，随着科技与艺术的进一步融合，舞美的创新空间将更加广阔。

她分享了俄罗斯音乐剧的发展，以及音乐剧在艺术领域中的独特地位与演变历程。在艺术舞台上，歌剧、芭蕾舞和戏剧通常被视为三大基石，而音乐剧则普遍被认为是现代主义艺术时代的一个不可或缺组成部分，与现代主义共同发展。

回顾音乐剧的历史，“奥芬巴赫”是一个不可忽略的名字。在19世纪中期，音乐家们对古典主义和现实主义产生了深深的厌倦，这种情绪促使他们积极寻找新的艺术形式。在此背景下，音乐剧在欧洲迅速流行，并逐渐进入大众视野。从传统的古典戏剧形式到现代主义者对艺术形式的探索，这些艺术家们都在试图打破既定的框架，进行创新性尝试。

不仅是现代主义，音乐领域的多个流派也在不断进行创新的探索，为艺术注入活力，这正是艺术的魅力所在。这些流派展现了艺术的多样性，并尽可能反映现代社会的现实问题。各类题材的音乐剧和非著名小说改编的音乐剧都聚焦于鲜明的社会主题，这些多元而丰富的流派共同绘制了音乐剧斑斓的画卷。

近年来，中国的音乐剧也取得了快速发展。因此，各国应该相互借鉴成功经验，共同推动音乐剧的发展。让我们携手努力，为世界音乐剧的发展贡献自己的力量。

他展示了《浪潮》、《活动变人形》、《我不是潘金莲》、《繁花第二季》、《惊梦》、《醒狮》等近期个人舞美设计作品。并向大家分享了“一戏一格”、游戏感以及神圣感对舞台艺术的重要性。

首先，要注重戏剧的一戏一格。并举例，舞美设计大师斯沃博达在作品当中做着各种不同的尝试，而且都能做到极致。尤其是他在复合投影的舞台实验中，为世界戏剧做出极大的贡献。如此看来，我们很难界定他的风格，或许这就是他的风格，一戏一格，让人在他多样的创作中感受到舞台艺术展现出来的无穷的想象力。

其次，戏剧令人着迷，因为它拥有游戏感，它吸引我们走进剧场，共同开启“盲盒”，它也是永远年轻的姿态，充满活力和未知，产生一种游戏的感觉，在游戏中放入对这个世界复杂性的认知，放入对每个剧目本能的反应，游戏的状态也会激发，冒险的精神敢于去打破常规，敢于颠覆自己，因此创作充满未知的可能，还有实验探索的精神。

最后，他认为创作者要敬畏舞台，心中保有神圣感，这点非常重要。剧场除了娱乐的属性之外，更是人与人精神和信仰传递的重要场所，是殿堂庙宇，敬畏它以及神圣感的建立对创作是非常重要的。

她对四季剧团的发展史进行了全面梳理，并深入探讨了其在经营过程中积累的宝贵经验。在演员培养方面，四季剧团实行严格训练，摒弃明星主义，坚持作品优先，确保演出质量和演员轮换，为四季剧团稳定发展提供了保障，也为音乐剧行业树立了典范。

四季剧团拥有上百个剧目，所有的撤下来的舞美装置都安置在全国公演的基地——大町舞美仓库。道具、布景被有序安放，分门别类，一目了然。最新建造的第14座仓库乍看是一个空壳，它的大小与剧场相等，并且安装了吊杆等专业设备，舞台布景出厂前，工作人员会在这里按照演出要求事先安装一遍，既检查了舞美设施是否齐全、完善，又预先温习了一遍装台程序，提高了现场工作效率。

关于四季剧团的音乐剧宣传，其实做了大量的调研工作。将其宣传分成三个步骤，第一步是告诉大家一部经典音乐剧要诞生了，第二步是让人能够感同身受，这部作品与你息息相关。第三步是作品基本成型的时候，一些视频宣传投入，观众们的内心被彻底打动，四季剧团非常善于解读和关注观众的内心。

她还谈到了自己2014年转型成为一名音乐剧制作人，创立了四季欢歌（北京）文化艺术有限公司，在创建过程中，四季剧团带给了她巨大的影响。先后引进多个四季剧团原创音乐剧的版权，制作了《想变成人的猫》《素敵小魔女》《王子与乞丐》《天生一对》等中文版音乐剧。她表示，一名音乐剧制作人终极的目标是做原创音乐剧，还有一个最大的梦想是在国家大剧院能制作音乐剧。这个愿望终于得以实现：由舒楠作曲、喻荣军编剧、阿丽娜担任导演、王翔浅本人担任创作制作总监的国家大剧院首部原创音乐剧《战争与和平》即将于今年年底在北京艺术中心上演。

他谈到，音乐剧在中国起步较晚，80年代中后期上海戏剧学院表、导演班师生演出的《窈窕淑女》是国内最早搬演的美国音乐剧。1987年中央歌剧院与美国奥尼尔戏剧中心合作，翻译演出了百老汇音乐剧《乐器推销员》和《异想天开》，引起了文艺界和公众的巨大兴趣。

后来，随着音乐剧剧目的引进，中国的艺术家们开始在本民族的题材和风格样式上，创作属于自己的音乐剧作品，用西方的音乐剧，讲述中国故事，加速了中国音乐剧本土化的进程。从二十一世纪开始，由制作人李盾、作曲家三宝、编剧关山为代表的一批中国音乐剧的从业者们，推出的一系列作品。

而在近十年，音乐剧发展趋势空前火爆，其中一个重要的标志，就是随着《声入人心》等综艺节目的播出，提高了音乐剧的知名度，同时也让一大批以阿云嘎、郑云龙为代表的音乐剧演员，被大众所熟悉，并且由于演员的知名度，提升了音乐剧市场的火爆程度。

面对当下中国音乐剧的发展，中国音乐剧应该往更深的层次发展与探索，需要中国的艺术家们精耕细作，挖掘中国传统文化宝库。中国音乐剧的发展应该坚持中国的原创精神和创新动力，讲好中国人自己的故事，只有民族的，才是世界的。