美国女孩益西德成付出十年青春，坚守在高原带领藏民用古法编织牦牛绒围巾；在电子排版和铅字印刷的时代，仍然执着于木刻刀和捡字诀的木活字印刷“家谱师”王超辉；不甘心看到手作铁器在工业化的碾压下悄无声息，成为铁匠的蔡德全此；再现祖辈的传统弓箭手艺的锡伯族老人伊春光；让沉寂千年的缂丝团扇穿越到现代社会的“85后”李晶……
这些东方匠人的故事，出自亚洲首部治愈系匠心微纪录片《了不起的匠人》。它先后荣获“国家新闻出版广电总局2016优秀国产纪录片推荐”、“第22届中国电视纪录片最佳网络人气作品”、2016“金熊猫”国际纪录片节最佳新媒体纪录片奖、“2016优秀网络视听作品推选活动优秀视频栏目”等等各大奖项。第二季还在被称为“世界十字路口”的美国时代广场大屏亮相，将“东方美”传递到海外。
第一季的纪录片虽然已经播完，但是匠人的故事仍在继续，我们用细腻详尽的文字，富有质感的图片，仔仔细细地记录下他们故事，他们的传承，他们的精神。透过纸张、透过油墨，缱绻的文字是属于他们的故事，旖旎的图片是描绘他们的生活。
他们用着最稳定的手，最纯净的心，打造着器物；他们仍在那个地方，或远离喧闹的城市，或隐于市中，晨起暮落，为了接近极致，倾注一生。
一座城池，一碗盏
南宋诗人杨万里曾在《以六一泉煮双井茶》中写道:“鹰爪新茶蟹眼汤，松风鸣雪兔毫霜。细参六一泉中味，故有涪翁句子香。”这字里行间所描绘的饮茶之器，便是“天目盏”。
而“天目”一词的起源现已难以考察。备受肯定的说法是，在南宋绍熙三年(1192年)至元朝元统元年(1333年)之间的140多年里，在临安天目山上寺院修行的日本僧人，归国时带走了在寺内学习到的茶道礼仪和黑釉茶盏的制作方法。由于不知茶盏其名，故以地名“天目”命名。
在台湾，距台北仅一小时车程外，三芝乡圆山山顶，有个匠人独自一人过着晨起暮落的生活。他专心研究并创作“油滴天目”30年，在茶艺界、美术界、陶艺界、收藏界，都以“藏色天目”享有盛名。他就是江有庭。
古时候一只顶级的“天目盏”可以换一座城池，这足可见它的珍贵。江有庭可以把5块钱的陶土烧制成价值翻了1万多倍的茶碗，并且突破“天目盏”千年黑褐的单一色，烧制出了璀璨的碗底星空。
烧制“天目盏”因为其釉药黏性强、敏感度高，必须配合烧制的窑压、气温、火候等，各方都需要精准掌控最佳时机，才能烧出质感绝佳的“天目盏”。正因为制作的高难度和高考究，作为中国 三大名釉的“天目盏”，一直被陶艺界奉为难度最大的技艺。
而作为研究“天目”最为资深的艺术家之一，江有庭的“天目”制作最为精彩之处，是可以用同样的土与釉料烧制出决然不同、前所未有的颜色，仿佛将原本藏在土与釉中的色彩解放出来，因此他将其作品命名为“藏色天目”。
江有庭所用的釉药，20多年来就是那几桶，从未更改。而仅靠那几桶釉药就能烧出各式各样的色彩，全世界除他之外没有第二个。但对他来讲，烧的变化有10种，一种釉料就可以变化出不一样的10种结果，这是以前的烧釉色没有走上的路。一件作品只挂一个釉，在窑里面纯粹靠烧，产生的颜色、纹路、光泽的各种变化，就叫作“窑变”。但人们普遍认为“窑变”是不可控的，每个“窑变”都是孤品。
江有庭却认为这是不成立的:“一般人会把它当作无法出现第二次的偶然‘窑变’效果，但我会把它的原因找出来;当我可以烧制出来时，它就不是烧不出来的‘窑变’了。”
因此在找到紫色“窑变”的原因之后，他百般尝试，虽然也曾因为釉药的不稳定性屡屡失败，但最终除了紫色之外，红、黄、蓝、绿、金等缤纷色彩仍然陆续出现，在茶碗间自成一个浩瀚的宇宙。他说:“烧窑失败是正常的，不会觉得挫败想放弃，知道是正常的事情就不会有问题!
“藏色天目”加入氧化铁，以单挂釉的方式，运用氧化、还原互动的火焰，在1320°C—1350°C烧出宝石般的颜色与光泽，其色泽与纹样会随着光线的强弱、照映的角度而变幻万千，犹如来自苍穹的耀动藏在茶碗世界中。“藏色天目”具有的美感，不具备任何意识或内容的传达，此般纯粹能给予人们冥想的力量，进而安定精神、沉淀思绪。
常有朋友问江有庭何谓“唯事无心烧”，这并不是指没有用心烧，而是不用分别意识来工作，是依本能意识专心工作的意思。简单地说，“唯事无心烧”就是有感受而没有觉得的意思。
颇具禅意的江有庭，认为要把最简单的事情做到刚刚好，就是要诚心恭敬。因此观看江有庭拉坯，会发现他总是一副专注神情，只见他一气呵成的手劲，瞬间拉出每个口径不一的大小正圆，从容优雅的背后却是三十几年功夫的累积。正如他所说:“陶工三十载，坯土不化装，釉色纯单挂，器形止于圆，不思不创意，唯事无心烧。”
烧艺，是能量转换出来的一种质感，当这个质感达到很纯粹的时候，它不能受干扰，所以我一个人工作。从不知天目，烧出天目，发现隐藏了千年的天目色彩，别人看我是孤，我的孤是回归本色的匠心。
——“天目盏”匠人 江有庭
一卷唐卡，一段修行
旦增平措，山南藏族人，勉唐派国家非物质文化遗产传承人，西藏唐卡大师丹巴绕旦的儿子。从小喜爱画画，曾经因为在父亲一幅已经快完工的唐卡上随意涂抹，被父亲严厉教训，从此谨记:画唐卡是一件必须恭敬和严谨的事情。
他13岁正式拜父亲为师，学习勉唐派唐卡;15岁到外省读书，接触到外面的文化;17岁时一度远离唐卡，想成为当代艺术家，后来回到父亲身边，继续学画唐卡。旦增平措创作的西藏唐卡作品《大智渡海》，参加过“第三届非物质文化遗产博览会”，并在“中国非物质文化遗产新传承创意设计大赛” 中荣获银奖。 2014 年，经过重重选，他有幸参与了大昭寺壁画的维修工作。
如今，他已深谙祖辈们灌注在唐卡上的心血和希望，并继承了父亲创办的丹巴绕旦唐卡艺术学校，且自费将学校迁到了远离市区的仙足岛，独力承担起百名弟子的唐卡教学工作。
唐卡，从1300多年前的佛像中走出来，以天然矿物、植物为原料，绘制在平整光滑的画布上，并用彩缎等装裱成卷轴以便悬挂供奉，是具有浓郁藏文化特色的一种绘画形式。
如今，唐卡除了接受虔诚的顶礼膜拜之外，还成为展示藏文化不可或缺的符号。越是画工精美的唐卡，就越是收藏家们趋之若鹜的艺术珍品。每一幅细致精美的唐卡，因为纯手绘的缘故，也因为绘制工序繁杂，所以从开画到完成，所需时间往往要以年来计算。
在西藏，一位稍有名气的唐卡画师，年收入少说也能达到六七位数。但是有这样一个以画唐卡闻名百年的家族，不但没有靠卖唐卡致富，反而将自家的画技免费教授给每一个真心喜爱唐卡的人。这个家族就是卡朵家族，而旦增平措，正是这个家族的第四代继承者。
一幅幅绘制精美的唐卡，绝非普通的工艺品能媲美。画一幅唐卡，需要经过极为复杂的一道道工序，而完成这些工序，往往需要花费一年甚至十几年的时光。因此，从某种意义上来说，每一幅唐卡的创作，都像是一次旅行，是一次穿越时光的指尖修行。修行的结果是获得某种圆满或提升，而方法却可以千差万别，全凭修行者个人选择。
一般而言，绘制唐卡的工序主要有绷布、刷白、打磨、开画、定稿、白描、上色、勾边、开脸等步骤。
很多人误以为唐卡画得越精细就越好，旦增平措却认为并非如此，他觉得看待一幅唐卡，必须要先有一个整体性的认识。例如里面的构图是怎么样的，以及该如何去安排和完成这幅作品，佛性放在哪里，佛像中有什么故事，这些都会是安排构图的基础考量。换句话说，就是画师必须服从整体，为大局着想。
当初在一度“叛逃”之后，旦增平措选择了回归，他回到年迈的父亲身边，继续传承着卡朵家族世代坚守的勉唐派唐卡，但这并不意味着他会永远停下敢于尝试的脚步。事实上，创新的种子在他心中不断发芽生长，同样是传承，年轻的旦增平措却采用了与朴素的父亲截然不同的方式，他的思路、创作和生活显得更为丰富多彩。
例如，在唐卡的上色处理方面，旦增平措更喜欢淡雅的颜色，并注重色彩的统一性，较少使用过于浓烈或跳跃的颜色。他甚至在背景的设计借鉴了一些国画上的技法，而在鬼怪的细节处理上，加进了些许电影的元素。
在办学上，他努力将学校规模办大，只为了给学生们提供更加便利的学习条件。为了更多更好地宣传和传承唐卡艺术，旦增平措每天离开唐卡学校后，总会抽空去看望父亲，他在准备出一本书，将父亲口述的许多关于唐卡的珍贵记录传承下来。他还组建了“卡朵艺术中心”， 招募那些喜爱唐卡艺术的志愿者，和自己一起办展览、搞讲座、组织各色沙龙活动。
这就是卡朵家族百年唐卡艺术的继承人，一个自出生起就注定了与画结缘的人。从能熟练拿起画笔的那天起，就再也无法轻易放下。画画是他的天赋，更是他未来修行的方向。
我曾经想过当一名当代艺术家。我继承了父亲的唐卡学校，一所纯公益的学校。我觉得当代艺术和传统艺术的相通的，都来自于心灵。
——唐卡匠人 旦增平措
黑暗中前行，屡败更要屡战
匠人，都是自燃的斗魂
遵循内心，穿越红尘
致敬时代，致敬匠心
你的启程，他的归途
一段“燃并暖”的匠心故事
为接近极致，倾注一生。
15件精妙器物，丰富详实的技术和工艺解读，探寻造物的魅力。
有别于纪录片的全新内容，不少于300张的精美照片，慢慢融入工匠们的生活中，品尝一种感动。
你的启程，他的归途。
《了不起的匠人》燃情上市！
