一周院线，看面对审查的两种方式

评分系统：

★★★★★ 年度十佳

★★★★☆ 一定要看

★★★★ 不容错过

★★★☆ 值得一看

★★★ 可以看

★★☆ 偶有亮点

★ 别看

x 令人反感

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适合人群范围：
全年龄/10+/16+

适合情侣

适合带父母

一个好的idea和执行力可以催生出一个与众不同的作品。虽说是恐怖喜剧但看完感觉心理暖暖的，混类型的尝试在某些时刻成功迸发出非常强的魔力，并一度贡献了几个全场爆笑的时刻。或许并不是所有电影都需要这么疲惫不堪，这才是阳间我们喜闻乐见更想看的好东西嘛～

可以说，大陆上映版由两个部分组成：“诡才之道”和“鬼才之道”。额外半星必须给到“诡才之道”的部分，也就是特供版的开头结尾，不仅因为这种诡辩式叠甲为鬼片（至少是喜剧鬼片）开拓了一条过审新赛道，更因为这甲叠得反讽意味拉满：内地制片人怎么可能开拍这种剧本呢？

至于正片“鬼才之道”前一小时真的很不错，节奏明快笑果十足，鬼界设定颇有意思，对优绩主义、网红经济和社畜文化的影射讽刺简单有效，一些小巧思也很有趣（那个GHOST IN THE TALE对《攻壳》的恶搞😂）。然而后半一旦要搞温情上价值，就不可避免地滑向无聊鸡汤的方向。虽然很迎合当下年轻人想躺平的心态，但能废成“同学”那样也真的不普通了，况且真没看出她有努力过啊！最后只能靠强行煽情来表达“普通人也有被看到的价值”这一烂大街的中心思想。

鬼界版《喜剧之王》+《影后》+《年少日记》+《贞子大战伽椰子》...还有80年代复古风杂糅台湾YT网红文化。

剧情上还是比较套路的，没有特别大的惊喜，胜在够热闹，几次闹鬼吓人也设计得挺好笑，整体可看。台湾娱乐圈常见的事，由阳间换做了阴间，带来了不错的新鲜感。能在内地大银幕看到这样的题材，更是难得可贵。

王净是真不错，装小白，搞怪，走心皆可，表演上有灵气。陈柏霖的爱豆梗没觉得那么好笑，总翻来覆去玩得有些过了。

被那句“你以你自己的时间毕业了”给戳到了，泪眼汪汪，没想到是最喜欢的那档山田作品。在禁忌禁欲氛围的教会学校中，禁欲才是最大的叛逆这点很有趣。宛如窦子胖乎乎的脸，做出圆圆的歌曲，圆圆的舞蹈，她在走路循环中不知不觉长大成人，成长有如宇宙宏大。我们下意识以为时间是直线向前，但正如老师说的所有事都可以重来，他们以循环往复的时间——这种时间总被与箱庭之类的评论家大词挂钩——对抗即到来毕业。那场他们必将永生不忘的雪夜“集训”，虽然只是悄悄互诉各自隐瞒之事，但其肃穆神圣似乎又和释放压抑的台风夜不相上下。感叹山田尚子似乎依旧坚持在校园中对外界呼喊一切可能性，然后还能向前更进一步…… 别忘了，在动画古典主义者眼里，圆形可生成万物，圆形是动画本源，是拒绝一切僵化的永变。别忘了，时间曾经可以是圆的形状。

女性向，小而美。从角色设定到剧情再到音乐，都过于简单了。

事实证明，人要懂得从历史中吸取教训，当年给《声之形》打一星的时候，我就应该拉黑山田尚子，所以这次再被《你的颜色》的矫情和空洞击倒在影院从数次扶额到如坐针毡度秒如年到最后一亮灯就逃之夭夭，只能说是咎由自取。

日本每年从动画到真人不知道产出多少这样做作的青春片，其中有些是真细腻，更多是真悬浮。这片主角三人，一个莫名其妙搞退学（竟然还能像失业男一样瞒住家人几个月，这真实吗啊？），一个因要继承家业所以搞不了心爱音乐（问题是你也没和家人沟通过啊），一个……看到最后也看不出有什么隐痛，反正都一副日漫中典型为说新词强赋愁的伤春悲秋样，最后组个乐队高歌三曲就万事解决？老阿姨表示真的看不进这种万年中二病了。

而且《轻音少女》都十几年前的作品了，怎么又是天然呆配黑长直，大姐你能不能搞点新意啊（日本人对看起来脑子不好总是憨笑到处撞板的傻妹子形象到底是有什么执念？）最致命的是，片名叫“你的颜色”，对颜色的运用也没看出什么特别啊（对比《琳达想吃鸡肉！》对色彩的妙用）。歌还难听（什么乱七八糟的太阳系歌词）！最后想说，模仿摄影机调整对焦的虚焦镜头，偶尔两三次叫电影感，全片不断出现叫乱搞！！！

大部分时刻都好看得非常俗套，在刹那间的情节抉择上设置重启键，再分两次剪辑进一头一尾，形成一种修正后的独一无二的成长，坚韧的爱情的养成是一个野蛮的冲动终被驯化和善用的过程，以及彼此间共享世界时所共同感受到的超越物质世界的节律感，通篇试图为两位主角赋予的这种燃烧着又流动着的情感张力确是整部电影超越一部平庸而用力的青春帮派爱情片的特别之处，它更加清晰的抓取到了那种滞后的浪漫，一种从电影的传奇感降维至生活的珍重的微妙速度。

没想到还能在戛纳看上正能量纯爱片，放往年绝对看不上，但在今年主竞赛其它妖艳贱货的衬托下，这部纯爱战神竟然已是难得清流！开头其实真不错，勒卢什在镜头调度上颇有想法，少年时期的两位演员也是赏心悦目，尤其小男生，太帅太嫩看得老阿姨心花怒放。可惜中段开始故事就变得老土又拖沓，阿黛尔的选角感觉也比较失败，终究还是没有飞起来。

在阳春白雪的主竞赛中，《狂爱》一定是那个不会惹人讨厌的傻白甜。放放流行乐，看俊男靓女打架谈恋爱，命中注定和你在一起。

前一个小时超甜，青年部分各种小细节和花哨的视听设计都很对。后半段急转直下越来越糟，不仅陈词滥调、叙事效率极低，也很讨厌通过极端化&暴力化罢工&劳动叙事的方式，把情绪通通收编到“法国梦”式的主流叙事下，直到结尾回归最为normative的爱情，狂在哪里

法国本土非常成熟的一次商业化制作。尽管节奏已经严重失衡，且有着明显的技法拼贴之嫌，但放在这么一届主竞赛入围片单里已经是位居前列了。btw: 序幕拍的很不错，包括film title的出现时机和视觉设计都挺好的

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一场石棺、墓穴、纪念碑的刻建过程，或者说，一次从流放到安息的伤痕旅途，它的背后，在美国这片已然是某种足以代表一切新兴的凶猛的原点世界上所展开的关乎构建艺术、宗教信仰、资本剥削、族裔命理、婚姻家庭、城市现代化等的寓言体表达都仅是抛撒在坟场的埋土，实质导向的还是一种土层下死亡般的窒息时空——巨大的精神困局，于是费尽周折建成的“避难所”只会是“集中营”的纪念，十字架的光芒未曾给予赎罪而是宣判了死亡，或许抵达美国的那一刻，颠倒的自由女神已然告知了结局，然而锡安主义的争论想必可以抛给历史和未来去回答，仅从作品本身的艺术成就上讲，科贝特同样为我们建起了一座材质和结构的教堂，借此眺望或回忆着遥远的安乐乡，这其中的天窗所投下的光，是在数字摄影面前燃尽最后一帧的菲林的浓郁乡愁，和慷慨赴死的传统电影的万丈余晖。

以正统犹太复国主义的叙事重写了金·维多-安·兰德的美国现代主义神话。《粗野派》存在着一种“听觉犹太性”：收音机关于犹太复国主义的新闻总是和正在建设之中的粗野派建筑———一座建在山上的基督新教教堂，即美国基督教徒常说的“山巅之城”———形成有意味的并置。从宗教角度上，《粗野派》思考了作为新教国家的美国，潜在地呈现了一场宗教战争，根据影片，新教主义和现代性的建筑意志合二为一，新教的教堂是简化的十字架，以及柯布西耶所谓的“可居住的机器。”这种全新的宗教崇拜撕裂了拉斯洛这一逃难的正统派犹太难民，他对于神圣的信仰被新的，材料至上的现代建筑学所替代。正如影片结尾的一个空间场景，昏暗的通道同构于集中营，最终，阳光从十字架射入，但它是倒置的撒旦十字架，这种倒置一如开场拉斯洛看到的自由女神像。

这片的工艺真没得挑，但总体上还是野心大过实力了，没觉得哪里先锋大胆，反而太拘谨，甚至有点束手束脚，肩负的包袱太重了。在这样一个庞大的制作体量之下，更需要明晰的是哪些人生篇章应该得到充分的展开，哪些关键线索又该被重点截取，是什么造就了主人公与建筑艺术之间的忠实情感。干着当今最为奢侈之事，就像一场豪赌，可结果只能说是中规中矩地完成了一部自带标签属性的“巨作”而已。看到最后一幕也算明白了，原来还给威尼斯建筑展部分做了极好的推广。科贝特是不是很想成为这个时代的西米诺啊，奈何美国影史上就只有一个西米诺。

虚构的犹太建筑家人物传记片。这片的主题还挺跟政治相关的，表面上看是很标准传记片的形式，却是用虚构人物进入历史的方式，来表达作者的观点。很A24式的类型变奏，“挂羊头卖狗肉”。观赏性而言，作为电影的节奏不太好，剧情讲述的方式更像迷你剧。布洛迪演技是很好，但演这个片子也真没啥难度。

开篇倾斜的自由女神，这片土地上从未消散的罪恶和堕落。但epilogue真的既不聪明又不敏感，急切地给出归纳、毁掉所剩无几的暧昧性，还板上钉钉了如此problematic的zionist视角。

视觉和配乐虽然出色（字幕片头堪称今年最佳），但导演野心大过能力太多，什么议题都想往里塞：战后移民史、现代主义建筑、美国梦的升起与破碎、犹太复国主义……但真的什么都没讲好。最大的问题在于，主角的面目十分模糊，他的痛苦挣扎，他的幽暗内心，都呈现得非常流于表面，尤其是他的建筑理念，三个半小时都没看出有什么伟大之处，于是最后给威尼斯建筑双年展卖的广告就显得十分牵强。P.S：70mm胶片版和数字版都看了，被当做噱头的前者，实际放映效果就一个糊字（至少我看的媒体场是如此），不是颗粒感，而是没对上焦的糊（ICS影评人在文章里指出了同样的问题），严重怀疑意大利人不懂怎么放70mm于是搞砸了……

以那不勒斯的美丽传说为载体思考爱作为生存的手段将会失败与否。尽管浪漫主义和弱叙事性的抽象表现手法和现实女性境遇存在脱节，但那些抽离当下的出神瞬间蕴含着每个人都会面临的愁思，即徘徊在追求浪漫幻想的抽象观察或具体儿实际的爱的能力之间。不同段落的异质性处理方式表现了女性成长路上面临着无数向下的诱惑，利用美丽取得便宜或追逐智慧的抉择。前半小时用大量音乐将碎片化镜头串联为一幅写意的风情画，充满青春期和梦幻情欲滤镜，而随后的段落对其刻画泽归于平实。人类学家的设定与探讨进一步将女主角作为寄托怀旧乡愁的化身。

知道它非常problematic（包括但不限于对女性的投射、对神圣&完美女性的想象、对既有学术/宗教体系的崇拜…），但它摄影和置景真的美到很难忍心批判它，只想立马跑出电影宫飞到那不勒斯，索伦迪诺绝对是全世界最好的意大利广告导演。要认真想的话会觉得他在拍某种“有意识”的乡愁&虚无：想要无可救药地沉浸在那些石墙、大海、帆船作床——以及在这些地方自然发生的爱情里，却早已迈过上帝恩赐的青春，只能带着一层令人悲伤的“意识”滤镜，光看在四周发生的一切，而这一切都与“我”无关。会觉得是一项永恒叨扰人类&我的命题。

不再试图去包装什么华丽而空洞的噱头伪命题，干脆直接将形式本身作为一种具备时间推演与生命历程的私人美学经验的寓言体来坦然的剖析呈现出来，当然也就几乎注定了会比索伦蒂诺任何一部前作都更容易暴露出的局限和不知节制，一定程度上他早已步入了创作与表达上的某种闭环，未来将如何，的确让人疲倦和困惑。

一直觉得索伦蒂诺是当下最会凹造型的导演，事实证明比起电影，现在的他更适合给奢侈品拍广告片。但看这部片子的过程还是愉悦的，索伦蒂诺影像中的意大利总带着一种独特的颓废贵族气质，堕落而迷人。而且南意风景是真漂亮，女主是真美啊❤️

一如既往的矫揉造作。大体就是“风光摄影”与“人文地理”大片，最后表达了一下“年轻真好”、“家乡真美”、“我真念旧”。一种孤立的、单义的美，却非要拔向一个矫情层级。

在华丽的空洞和睿智的诗意间，90%时间，索伦蒂诺选择了前者，再一次确认了十年前，对《年轻气盛》的评价。或许，未来不会再看他的电影了。

真的如坐针毡！索伦蒂诺去给Saint Laurent拍南艺风情广告大片吧，能不能不要执念于拍一个完美天才人见人爱男女通吃没有受过任何实质性挫折的富家美女的故事？这和给我看一个人类高质量男性跳舞两小时没有任何区别。我也想Make Napoli great again，但拜托不是这样…

或许从未迷恋历史，而是极其自信的通过灿烂的形式感赋予历史额外倍增的魅力幻象，于是连带本·卫肖的表演在内挟裹着过剩的虚实交替的信息量都成为镶嵌这场在历史的废墟中起唱的卡拉OK的一部分，无论是歌声、诗句还是控诉，都被不再分辨的一股脑装进了嘶吼中，谢列或许是如今世界影坛里最为注重摇滚演出式的“宣泄现场”感的创作者，用虚无主义对抗虚无主义，用形式主义对抗形式主义。

俄乌战火持续蔓延的当下，如此速度和时效地抓住一个icon拍出一个表演和调度都可圈可点的影片，已经是非常具有意义的事情了。当隔壁还在奥斯曼公寓里拍一些资产阶级虚伪的自我反思影片的时候，总要有人enraged并engaged。（看的时候一直在想什么时候有人拍拍郁达夫 (另外，床戏拍得很好看。

观感反而令人想到泽维尔·多兰，导演似乎为本·卫肖下达的指令是“你需要做的只是发疯。”谢列布连尼科夫擅长状态化的超现实电波场景，在影片中，他完成的如此出色，但是之于叙事，特别是时间跨度较大的历史传记，就暴露出了其作品的弱点，尽管《利莫诺夫：埃迪的歌谣》选择了一个非常有趣，值得深入探讨的主题，即在后苏联时代浮上地表的俄罗斯极右主义文化，但谢列选择了最无趣也是最无脑的方式。利莫诺夫在影片中仅仅看起来像是《盛夏》的摇滚明星维克多·崔，在摇滚音乐和长镜头节奏的强势掌控下，他的一切情感和转变过分外显，被简化为了反建制理想主义者+东正教圣愚（所有的东正教反对者必将被东正教精神所吸纳）的形象，对同时期杜金、列托夫等人更是只字未提———更不用说这一思想的核心，其与苏联、传统主义甚至法国思想复杂纠缠的关系。反观土屋丰一部纪录片《新神》，当导演将DV交给雨宫处凛，让她在视频日记前讲述自己时，纪录的现实雄辩地摧毁了一切精致的虚构。

一个俄罗斯导演找了一个英国演员操着刻意的俄式口音英语演了一个用俄语写作的俄罗斯诗人（更讽刺的是，利莫诺夫本人几乎不会英语），而且片中所有俄罗斯人都说英语，这真的很难评……真心希望部分导演们收收自己的ego，不要再拍超过两小时的电影了。谢列那些花里胡哨的技巧，没有刻画出一个立体的角色，除了fuck的部分够具体，只有流于表面的自我沉溺和语焉不详，更别提这个人物本可以带出的时代脉络。