四川神话+欧洲中世纪和声，华语民谣正在悄悄革新

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美国前卫死亡金属乐队Blood Incantation的第四张录音室专辑，专辑由两首超20分钟的长曲组成，以90年代传统死亡金属为基底，融合了70年代类似Pink Floyd的前卫色彩，另外，德国乐队Tangerine Dream的成员Thorsten Quaeschning也在第一首中客串贡献了标志性的合成器演奏。乐队对史诗长曲的把控相当成熟，太空科幻史诗感很足，整体段落丰富，一段接一段的riff作曲创意不落俗套，制作精良，很可能是年度最佳金属专辑。

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钢琴家兼作曲不仅人帅还是艺术大师，曲子听到后面totally能感觉到那种宇宙的共鸣，古典雅致的气息偶尔伴随着日漫OST的激情和浪漫，非常安利。

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从音响角度是张具有新意的专辑，听完没有在心底留下什么，但偶尔就想翻开再听，也许是对sul tasto有强烈地个人喜好吧。

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当Robert Smith的声音在新专辑出现的时候，有些令人惊讶，65岁的他似乎和四十年前没有太大变化，只是曾经，那个把爱与幸福比作“lost and lonely”（1987年《Just Like Heaven》）的朋克少年，已慢慢走入人生的秋天，他在重新表达什么才是真正的“孤独与失落”。

新专辑只有八首歌，但大部分都在六分钟以上，编曲简洁有力，长前奏是他们依旧不与世界潮流妥协的信号，反复地用地鼓锤击与合成器蜂鸣声制造螺旋上升的前奏，在重复铺垫里层层推向情绪的高峰。开场曲《Alone》追忆少年时光，歌词里问道“Where did it go”，Robert称这首歌试图描绘夜晚逝去的感觉，“突然意识到天要亮了，感受到极度脆弱和孤独”，而这也是整张专辑的基调；《And Nothing Is Forever》写为逝去之人许下的承诺；《A Fragile Thing》是首身处至暗时刻感受到并表达爱的歌；《Warsong》为这个下行世界传达爱与和平的朴素真理；《Drone：Nodrone》是对现代生活的抱怨和抗议；《I Can Never Say Goodbye》是Robert回忆哥哥去世那晚发生的事情，他曾经是Robert生活和艺术的启蒙，这首歌也是新专辑里最令人心碎的一首；《All I Ever Am》更像私有化的表达，他在为塑成自我的那些事物争辩；最后一首长达十分钟的《Endsong》则在回答前面的所有问题——“It's all gone”，它与第一首歌的提问前后呼应，所有歌共同构成“失落世界”的完整挽歌。

当在The Cure的新老作品间切换时，可以感受到不同时期鲜明的风格变化。他们曾经在卧室制造无聊噪音，也在新浪潮的涌动里释放荷尔蒙，进入阴郁的哥特世界瓦解自身，直到今天，Robert依旧顶着几十年不变的爆炸头和烟熏妆，但是他的音乐已经走向更加宏伟与悲壮的一面。聆听本身，也是目睹与见证年岁之于Robert的改变，而这也是艺术在时间里最为动人的一面。

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依附着原声带属性，《女人世界 电影原声带》自有其完整的专辑概念，一步一换便可串联起电影画面与场景更替。而李带菓做到的是曲目内部动态的情绪表达，一曲3分钟内，便可以琵琶为主轴构建起一面面独具民族气息的屏风——张开时，连绵成篇；闭合时，独自成趣。与电影主题相呼应，仿“唐人街”式的中西结合，民乐中加入大量西洋器乐，而琵琶依旧响亮清脆。自“Nowhere and Everywhere”中的暗哑，到“Cheerful Emoji”中动情迷人，直至“Chinatown Ending”，则在“Chinatown Theme”的基础上发展出独有的器乐段落，不断向前摆动，走远却仍可一窥迷人风采，如同影片中的女性，起舞，起舞直到最后一刻，依旧明亮迷人。

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在今年堪比“文艺复兴”的各种摇滚老炮发新专的背景下，Primal Scream的专辑发行多少被其他老炮抢去了一点风头。像许多同年代的乐队一样（成立于1982年），如果他们试图复制他们最著名歌曲的风格和声音氛围，他们就会受到诅咒，如果他们尝试一些哪怕是一点点新的东西，他们又会受到谴责。这张新专辑采用了Funk Punk的风格，总体来说比8年前上一张专辑还是有进步，但是要说回到当初辉煌几乎没有可能。

Bobby Gillespie的歌词比平时更有个性，《Innocent Money》的编曲一度让我想起了东京爱情故事片头曲那种经济井喷的繁荣时期才有的纸醉金迷感，最长的曲目《Settlers Blues》在专辑中占据了九分钟的时间，更多的是对几个世纪以来英国殖民主义罪恶的口述反思，尽管没有明显的信念——但这种歌词为时已晚，也太乏味了。

不能说是张很差的专辑，至少没有听不下去，但要说老粉真的很满意或者回到当初的荣光吗？那显然也没有。

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这支来自四川的另类民谣乐队在第二张专辑中完成了音乐的全面升级。创作语汇和审美逐渐偏离齐豫/李泰祥式的华语艺术民谣传统，欧洲中世纪色彩的和声和旋律进行，更加复杂和非套路的歌曲结构，和他们词作的半诗化语气更加贴合。与制作人Uncle Hu的合作更将“暗潮”这一之前就经常用来形容他们音乐的词汇从人声效果和合成器氛围的“表象质感”进化为一套完整成熟的bandsound语汇；电吉他的加入甚至现代音乐和金属的尝试都扭转着乐队之前基于原声吉他或者弦乐的“华语民谣”刻板印象。

表达上他们延续了内向视角和自然/神话意象，但这样含蓄优雅的写作者在三年过后也忍不住发出“可风暴早已过去/为何还阵阵耳鸣”的小声诘问——这是我们每个人埋藏在心底，但又时不时必须面对的问题。

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Negro Leo对不少人来说很陌生。但或许一部分听众记得19年左右有几位奇奇怪怪的巴西人来中国办过一个叫“热带赤县”的系列演出，另外一小部分听众会熟悉QTV这个推广巴西独立实验音乐的厂牌，这可以是两个作为进入他音乐世界的起始线索。而即使放在巴西的音乐世界中，他也是一个难以归类，游走在各类音乐场景之外的怪胎。这张新作品的质感或许保持了这种边缘，但这并不影响听众感受到其中的多彩丰富。制作人Renato Godoy带来的电子影响是Rela的底色，Leo在这样的基础上塞入了大量的巴西流行/民俗/都市音乐的节拍/音色，从他家乡的Bumba Meu Boi到当下更多出现在舞厅的Piseiro、Pagodão等等。这时候已经很难再给它创造出来的声音下一个标签，或许还是只能回归到近来巴西音乐反复出现的一个关键词“未来祖先性”上。在时间多重向度的量子定位中，Negro Leo又回到了最当下的问题，在节拍中念念有词，把闪烁游离的音乐导向当代年轻人爱欲与孤独的主题。