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1932 MAD
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动画史 MAD_免费高速下载
使用音乐：
Intrepid Journey by Aaron Static
本期看点有：
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第一部全彩色动画；
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Betty 荧幕生涯的巅峰与转描的普及；
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迪斯尼对于真人角色的发展；
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迪斯尼质量标准的大幅度提高；
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Bill Tytla 的变形与表演。
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大量杀必死镜头。
以下是本 MAD 镜头的简短解说
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1，Ted Eshbaugh 是一个经常被动画史遗忘的重要人物。他是最早与 Technicolor 合作进行双色带（two-strip）实验的独立制片人，但遗憾的是他于 29 年开始制作的 Goofy Goat 于 31 年才制作完成，比 Lantz/Iwerks 于 30 年发行的双色动画片晚了一年。而作为首个与 Techinicolor 合作进行三色带实验的动画人，他日后的 The Wizard of Oz 实际上也是第一部
开始制作
的三色——也就是全彩色——的动画片，遗憾的是，同样比迪斯尼的 Flowers and Trees 晚一步于 1933 年才制作完成。这里 MAD 里选取了他 32 年时的双色带 Technicolor 动画片 The Snowman 中的镜头，变幻的极光充分展现了双色带 Technicolor 的技术优势——如果不是 Flowers and Trees 夺取了原本属于他的风头。
2，Flowers and Trees（Silly Symphony 系列）是第一部三色带 Technicolor 彩色动画。坊间传闻，迪斯尼也是因为看过 Ted Eshbaugh 制作中的 The Wizard of Oz 片段，才下决心开始使用三色带 Technicolor 技术，不过这一点我们已经无法证实。三色比双色更丰富的视觉表现力让 Flowers and Trees 荣获 32 年奥斯卡动画短片奖，这也是奥斯卡初次开设动画短片奖后的第一部获此殊荣的动画片。
3，这一年迪斯尼的制作质量标准比往年由极大幅度的提升，主要原因是因为迪斯尼将发行商从哥伦比亚换成了联美（United Artists），而联美给他们的预算高达每部 15000 美元，达到之前的近两倍之多——其他动画工作室，如华纳给 Harman-Ising 工作室每部预算也仅为 7、8000 美元。大幅度提升的预算并没有被迪斯尼用来继续加大产量，而是更追求更高的品质——Flowers and Trees 也是因此而诞生的。King Neptune（Silly Symphony 系列）里人物、特效极其繁琐的高潮部分，King Neptune 将船沉到海底的部分完全超越了同时代的品质，在当时也没有任何其他工作室敢于挑战如此高难度的镜头。
4，Norm Ferguson 在这一时期（31-32）很快从新人成为迪斯尼最有实力、最被依赖的动画师，甚至超越了所有从 20 年代走过来的老人。如 The Klondike Kid（Mickey Mouse 系列）和 Santa's Workshop（Silly Symphony 系列） 中，他会经常负责画一些有「重量感」的角色，使用的技巧也是他之前所探索出的「跟随运动和重叠运动」——有趣的是，或许是因为这一点在混身膘肉的胖子身上更容易观察到，所以他会画一大堆的胖子来表现。因此，迪斯尼的众多动画师都在以他为榜样，包括资历更老的 Ben Sharpsteen 和 David Hand。
5，迪斯尼对于「可信」运动的追求在这一年更为明显。在 Just Dogs（Silly Symphony 系列） 中，当时剧本会议的笔记里写道，「所有镜头里的角色表演应该尽可能的自然，而不要使用任何夸张的把戏。」而 Mickey's Good Deed（Mickey Mouse 系列）结尾，Mickey 孤单的一个人坐着、以为 Pluto 不会回来时，从伤心到惊喜的情感变化，作画也是 Norm Ferguson——这种依赖于角色感情表达、尽可能表演自然而避免夸张成分的情感性镜头这也是当时大多数其他人做不到的。
6，迪斯尼对真人角色的尝试在这一年有了更多突破，关键原因在于一位刚从 Terrytoons 转入迪斯尼的新人动画师 Art Babbitt。Art Babbitt 当时聚集了一些同辈、租模特组织人体写生，很快被迪斯尼引入到工作室推广开来，为迪斯尼动画师们能够画好真人打下美术基础；随后 Art Babbitt 引荐了一位具有工程师思维的美术老师 Don Graham 来为迪斯尼上动作分析相关的课程，尽管 Don Graham 本人没有动画经验，但他庖丁解牛般的分析让迪斯尼动画师对于如何画好「可信」的真人角色动作有了更清晰的思路。Babes in the Woods（Silly Symphony 系列）是这一阶段的显著成果，它展现了这些练习与课程对于 Norm Ferguson 和 Art Babbitt 的影响。
7， 额外一提，从 32 年其迪斯尼开始推广起草原的方式——主要原因还是因为 Norm Ferguson，虽然他对动画中的运动有着绝佳的天赋和直觉，但薄弱的美术功底拖累了他的创作速度。为了将他从细节中解放出来，迪斯尼从这一年开始让他只负责画草原，而将细化角色形体的工作交给助手，因此形成了「动画师-动画师助手-中间张画师」的三级体系。尽管早期也有动画师助手帮助动画师画诸如手指、头发之类的细节，但这一时期所谓的草原不同——Norm Ferguson 是在「几乎不画出角色的情况下，只画出运动」，可见其潦草。助手体制更方便新人在资深动画师的直接指导下工作，起了相当于文艺复兴时期艺术家学徒体制的作用。同时，草原直接线拍也让迪斯尼对于最终成品里的「运动」有着更直观的了解，更方便 Walt Disney 本人对于质量和整体风格的控制，这种高度工业化、整体化的流程加强了迪斯尼的整体质量，但也牺牲了一定程度上的自由性。
8，Betty Boop 系列在这一年经常使用转描来画复杂的舞蹈、表演镜头。Minnie the Moocher（Talkartoons 系列中），著名爵士歌手 Cab Calloway 为本片录制了歌曲 Minnie the Moocher 并真人出镜奉献了一段舞蹈，这段舞蹈也被转描于之后的正片中。而从 Stopping the Show 开始，Talkartoons 系列变成了 Betty Boop 系列，Betty 从原本一个配角变成了备受瞩目的明星——在她的虚拟舞台上，她还模仿了当时的一些真人明星，如 Fanny Brice 和 Maurice Chevalier。爵士乐与动画片的结合迎合了 Swing Era 的审美，Betty Boop 作为最早的虚拟偶像，通过与当代明星的互动迎来了她的荧幕巅峰，成为当时唯一能与迪斯尼的 Mickey Mouse 在流行度上抗衡的角色。
9，Flip the Frog 系列从去年开始迎来了曾经 Betty Boop 的创造者 Grim Natwick。他重新设计了 Flip 的形象，使之从卡通化的青蛙变成仅留有一些青蛙特征的「人类」男孩。 同时，Grim Natwick 会时常创作一些不同的女性角色，与 Flip 进行有性挑逗意味的互动——甚至如 MAD 里所见，性暧昧、挑逗经常会是这一阶段里 Flip the Frog 的主题。这一点倾向也体现在 Betty Boop 系列中，Betty 的裙子时常会被掀起。除了像 Flip the Frog 或者 Betty Boop 刻意去营造性相关的 gag（他们的观众都是成人），即便是迪斯尼，也会不注意的展现女性裸体，如 King Neptune 中 Les Clark 所负责的美人鱼镜头。这种现象在日后电影制作准则颁布后逐渐消失。
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以上是 1932 年的大致解说。
以及……或许再也不见了。
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自 1928 年开始到 1932 年，这 5 部 MAD 和解说花了我整整一个月时间。为了这 5 年 MAD，能够全面的体现世界动画风格的发展，我看了几乎所有主流动画工作室的每一部动画片——工作室如 Disney、Harman-Ising、Fleischer、Ub Iwerks、Van Beuren、Walter Lantz、Mintz、Terrytoons、Pat Sullivan 等，以及其他众多的独立动画人。每一周的看片量在 120-150 部左右，也就是说为了这 5 部 MAD 能尽可能囊括这些动画工作室的重要镜头，我已经看了大概 700 部动画短片了。
同时为了梳理出体系和某一镜头的历史重要性，我不得不翻阅大量的英文书籍来写进每一部 MAD 的解说里——每部里的大部分解说都是我从书上里看到，并再看过片子、逐帧拉片后用自己的理解表述出来的，剩下的一部分则是来自英文动画史研究圈子，书上也是难以找到的（如本期的 Ted Eshbaugh 内容）。此外，镜头里加问号的动画师标注基本是我个人的原创分析，虽然并不完全保证我辨认的正确性，但这是即使英文社区也难以找到的——我为了辨认镜头背后的动画师是谁，往往会将一些镜头反复看上几十遍。
这一系列的初衷是希望能够借此扫清我们对于欧美动画乃至世界动画理论、风格、历史上的众多误区。我时常感觉，虽然国内有众多院校在以美式的流程和创作技巧教授学生，但实际上根本就不了解美国动画——甚至连许多动画专业的硕士、博士乃至教师，居然都不了解什么叫「橡皮管动画」（当然不是所有，但实际上《动画师生存手册》是有提及橡皮管动画的，所以不知道这个真的很奇怪）。我不是针对任何人，只是评论一个很神奇的现象。
在我写过《
简易动画史入门——美国动画流派介绍
》之后，很多人会反应信息量大，难以理解；于是我从 28 年开始，一年一年的写详细的变化，以方便理解。不过从目前看来，每一期的关注度都在降低，科普的意义是没有达到。于是我在想，用年 MAD 的方式或许不适合作为科普。朋友跟我说，你这样按年来展现动画风格容易让入门者抓不住重点，并不能理解为什么这个镜头在历史上特别出众、或者有其特殊意义。
但除了科普，我其实私心里有另外一个「求教」意图：希望能有人与我一同分析、讨论动画史上重要动画师们的个人风格，希望能够了解更多我不知道、或者没注意到的细节；而不像之前大多数人做的那样，用简单粗暴的描述将整个美国动画、或者整个日本动画概括在同一框架下——这样的讨论是无益于理论研究，且容易造成对美国动画、日本动画固定偏见的。但做到现在，有人对任何一个特定镜头有过分析后的感想要分享吗？又或者对我辨认的动画师正确性有质疑吗？我几乎没有看到过这样的反馈，所以，我想我的目的是失败了。
所以我想我还是放弃 「求教」的意图吧，这系列 MAD 的存在意义于是减少了一大半——我会继续做 MAD，但是也只限于和英文圈的朋友们讨论，可能不再会发到中文网络，也不会再写这些繁琐的视频解说。
而作为代替，我会考虑做一些更纯粹的科普向视频，以某个特定动画师、某种特定风格或技巧展开讨论，配上音频解说和字幕、剪辑，或许更容易让入门者抓住重点。
具体的想法日后再说，以后见。
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不用再往下拉了，本期没有结尾小广告啦！~\(≧▽≦)/~
