在上博东馆看《印象·派对》。箱根的POLA美术馆携近六十幅与印象派有关的绘画、摄影和装置艺术品来上海，虽然印象派作品在上海经常展出，在法国、荷兰和日本，我也观摩过不少印象派的画展，但是，这些大师的影响力还是吸引着我前往参观。
说起印象派，也算是一个很有传奇色彩的名字，就如后来的“野兽派”一样，都是那些对此不以为然的评论家给起的蔑视性的名字，不过，这种将错就错，却变成了被蔑视者的荣耀，也变成了蔑视者的羞辱。白云苍狗，世界就是如此具有戏剧性。
其实要了解印象派，还是先要了解照相术，1839年人类发明了照相技术，在这样的情况下艺术的写实功能受到了巨大的挑战，这很像今天人工智能对人类的很多活动产生的挑战。到1863年“落选者沙龙展”的举办的时候，摄影技术已经走过了二十多年的发展历程。写真的职能越来越从绘画转向了摄影。在这个过程中，传统的艺术家依然用保守主义的方式，不断重复着古典大师们的绘画主题和绘画技巧，但也有一些艺术家开始直面“艺术何为”的问题。被后世称为印象派画家的一群人，无疑是其中最激进的。虽然，印象派也不是铁板一块，莫奈、马奈、修拉、塞尚等其实也各有自己的追求，更不用说中期的雷诺阿、德加以及后期的梵高、高更了，不过，他们的追求也都有一些共同点，比如他们都依然对“真实性”情有独钟。但要注意，他们追求的真实性，并不是我们肉眼所见的“形的真实”，而是更关注“光影”的真实。而事物的光影关系，存在着非常复杂的反射、散射和衍射关系，同时也与观察者的心理状态有着密切的关联。印象派的大师们认为，绘画就应该积极展示这样的复杂关系。他们对光影关系的理解远比古典主义的光影大师，比如伦勃朗之类要深刻而复杂得多。这也是一种时代发展的必然，充分表明了人类在光影问题上的思考在不断深入。
同时，我们也要注意，在印象主义大师们的艺术观念中，真实性，还包括了在观赏事物那一瞬间，人的具体的感受和情感。比如莫奈的《日出·印象》，并不着力描绘伦敦港的具体样貌，而是想要抓住日出那个瞬间，伦敦港给人的“印象”，具体而言，画家描绘的主体不是一个具体的事物，而是一个具体事物在特定光影下的印象。正因为如此，印象派画家对室外写生情有独钟，他们不主张在画室中通过精确的透视法，繁复而细致的构图来进行创作，而是直面自然，用大胆的色块、线条，以最快的速度和最简洁的笔触把握住眼前的绘画对象。
正因为是要画“印象”，所以，这些画家刻意模糊和淡化事物精确的立体形状，比如此次展览中一幅重要的作品，莫奈的《国会大厦》，就是完全将伦敦议会大厦变成淡紫色晨雾隐隐约约的模糊轮廓了，还有作为海报的莫奈的《散步》，在描绘画面前方的女子时根本不在乎她具体的身姿和容貌，反而更关注衣服上身与下身的动态与光线之间的那种有趣的互动的关系。所以我们看到很多印象派的画作，“立体感”不如一些古典主义的作品，有时候甚至用简单的平涂来取代了原来以高光与暗部营造立体关系的技法。这就是很多人会觉得印象派画作比较粗糙简陋的原因，因为，我们头脑里业已形成的关于油画的概念与印象派画作统统不搭。其实，我们许多人在面对印象派画家作品时产生的困惑，正是十九世纪的正统画家们面对马奈、莫奈时的困惑。
印象派画作还有一个很重要的特点就是就是与日本浮世绘绘画之间的联系。随着日本文化在西方的传播，激进的画家们忽然发现了一种与欧洲传统绘画截然不同的艺术创作方式：平面构图，散点透视，平涂法，纯色无过渡的使用，富有动态的轮廓线条的勾勒（这些其实很多都是中国绘画的传统），所有这些都给印象派画家提供了新鲜而富有活力的绘画语言。
像此次绘画展中，莫奈的《瓦朗日维尔的风景》以及塞尚的《瓦兹河畔奥维尔镇的小屋》等画作中黑色线条的使用都是这种浮世绘风的体现。直接用线条造型，有利于快速记录即时的感受，画面的平面化处理，更能够体现眼睛被光影所吸引产生的自然而然的游走感，包括平涂和纯色的使用，也都和人的瞬间画面场景记忆的特点有关。可见，艺术从对所谓的“客观真实”向“主观真实”的转向，是艺术从古典向现代发展变化的分水岭。
