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2024年11月29日，CISD第十一届国际舞美大师论坛在上海戏剧学院成功开幕，本次论坛由中国舞台美术学会和上海戏剧学院联合主办，以“延展的舞台空间”为主题，邀请丹麦著名灯光设计耶斯佩·孔沙格（Jesper Kongshaug）担任主讲嘉宾。耶斯佩·孔沙格将通过演讲的方式，与国内同行交流分享创作经验，同时还邀请了十八位国内杰出舞台美术家、导演、编剧、学者、科学家、跨界艺术家参与主题演讲、学术对谈与跨学科演讲，共同探讨舞台美术的未来发展，为业界带来丰富启发和深刻思考。
本次论坛采取“线下+线上”相结合的模式，通过中国舞台美术官方微信直播平台，近3万人次舞美从业者、爱好者共同聆听了这场精彩纷呈、干货满满的大师论坛。
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日程安排+嘉宾介绍！第十一届国际舞美大师论坛即将在上海举办
明日，论坛将继续在中国舞台美术学会视频号进行线上直播，敬请扫二维码观看。
以及来自全国各省舞台美术学会的主要负责人、上海戏剧学院各职能部处的领导们与各界艺术家。
论坛开幕式由上海戏剧学院副院长刘庆担任主持。论坛开幕式在上海戏剧学院端钧剧场举办。“延展的舞台空间”这个主题跨越戏剧、建筑、环境艺术及科学技术等多领域。在这个各行各业都面临巨大变化的时代，本次论坛不仅是思想的碰撞，更是一次科技与艺术深度融合的契机。主讲嘉宾耶斯佩·孔沙格先生的灯光设计作品遍布伦敦、纽约、维也纳、北京等全球各大剧院，在数字光影与可持续照明技术领域卓有建树。舞台美术是一门融艺术与技术于一体的学科，其独特的综合性决定了它不仅是戏剧艺术的重要支撑，更是推动戏剧不断突破与创新的重要引擎。上海戏剧学院始终坚持以人才培养为核心使命，紧跟时代步伐，深化教学改革，努力培养德才兼备、具有国际视野和创新能力的舞美人才。人才是艺术教育的根本，而舞美创作需要与社会、技术、文化的前沿深度联结，才能焕发出持续的创造力。上戏舞美教育始终围绕学科建设和科研创新展开，从扎根传统、传承经典，到探索数字化、智能化的技术路径，打造了多层次的教育体系，形成了鲜明的学科优势。作为一个集专业性与学术性于一体的国际平台，国际舞美大师论坛不仅促进了中外艺术界的合作，也让更多中国设计师在国际舞台上崭露头角，为思想碰撞与经验分享提供了绝佳的机会。上海戏剧学院将继续通过深化与国内外顶尖艺术院校和行业机构的合作，探索跨学科、跨文化的教育和研究模式，推动舞台美术从课堂走向剧场，从校园走向世界。在科技日新月异的今天，希望通过加强科研能力，助力舞美创作在技术与艺术的交汇点上寻找更多可能性，为戏剧艺术注入新鲜活力。
上海市文联副主席、上海市戏剧家协会主席谷好好致辞。本届论坛的召开是打造“亚洲演艺之都”的核心驱动力；舞台美术是新时代戏剧艺术的璀璨明珠与核心引擎；在新时代，我们要追求创作、演出、学术的全面飞跃。在创作层面将进一步挖掘舞台美术在跨媒介、跨文化语境中的无限潜能，推动舞美艺术在传承与创新之间找到最佳平衡点，实现传统与现代的完美融合。在演出层面，通过舞台技术与艺术表现形式的革新，为观众带来前所未有的视觉盛宴与情感共鸣，让剧场艺术在新时代焕发出更加璀璨夺目的光彩。在学术层面，我们将深化国际间的学术交流与合作，推动理论研究与技术应用的同步飞跃，为全球舞台艺术的繁荣发展贡献中国智慧与中国方案。期待通过深入交流与思想激荡，能够在创作、演出、学术三个层面实现新的突破。中国舞台美术学会副会长伊天夫、中国舞台美术学会常务副秘书长兼办公室主任孙海峰，为耶斯佩·孔沙格先生颁发中国舞台美术学会名誉会员与中国舞台美术学会2024年度学会奖证书。大师主题演讲版块由上海戏剧学院教授、中国舞台美术学会副会长伊天夫担任主持。耶斯佩·孔沙格是舞台灯光设计出身，一直活跃在世界各地国家级剧院的舞台上。他的创作始终与文本相关联，与文学世界相关联，这造就了耶斯佩·孔沙格非常独特的戏剧文化素养。他担任哥本哈根灯光艺术节的学术主持，这需要有综合的知识视野、广博的知识储备。同时耶斯佩·孔沙格广泛涉猎社会公共环境空间的照明设计，将人与环境，人与生活的关系作为灯光设计的出发点，将有意味的光影效果展现在环境之中，同样，他在建筑照明领域所做的案例，舞台光色，自然光景融入其间，为城市夜色注入绝妙的视觉观感，令人感觉到有梦幻般的味道。可以说，耶斯帕是运用戏剧思维从舞台空间走向城市生活空间的灯语光情大师。
他围绕“舞台灯光的设计”、“建筑灯光的设计”、“公共空间的灯光设计”三个主题发表演讲。灯光是故事的讲述者或叙述者。作为戏剧灯光设计，用戏剧方式参与建筑和公共空间的灯光设计是具有视觉力量的。
在舞台灯光设计方面，做灯光设计方案首先要能够适应不同地方的巡演，以确保在不同的剧场中能达到相同的演出效果。在创作中，他善于使用灯光表达光与影之间的关系，同时综合运用如投影、激光等技术与光混合，表现出独特的视觉特点。
在建筑灯光设计方面，他认为进行建筑外立面设计，就像在舞台上为演员进行塑造一般，把建筑想象成舞台上的舞者，通过光影去创造丰富戏剧性的视觉效果。
在公共空间灯光设计方面，他提出重视自然环境光对创作的影响。针对不同时间的环境主题特点做出想对应的灯光设计。在面对历史遗迹时，他提出营造出历史事件发生时的氛围，用光的力量形成新的集体记忆。用光讲述故事，用独有的语言参与和表达社会话题。
他从舞台灯光出发，将灯光艺术延展到社会生活的各个方面，用灯光影响生活，增加生活中的美。将舞台空间中的艺术创作延展到社会和生活。
因篇幅限制，我们将耶斯佩·孔沙格先生讲座内容单独成文，将于近期发布，敬请关注学会微信平台相关资讯。国内艺术家主题演讲版块由上海戏剧学院舞台美术系主任胡佐教授担任主持。本次论坛汇集了多位来自不同领域的专家、剧作家、导演和学者，他们将分享各自独特的见解和经验，期待与大家共同享受这场艺术的盛宴，希望今天下午的活动能启发和激励大家，并获得愉快和充实的体验。5位嘉宾将依据自身在不同专业领域的宝贵经验，提出创新的设计理念和前瞻性的艺术构想。同时，对今天的主题“延展的空间”进行深入而且多角度的解读，共同感受舞台艺术深邃的内涵和无限的创造空间。
上海戏剧学院舞美系1954届校友、上海戏剧学院舞台美术系教授、国务院专家津贴享有者金长烈发言。未来的演艺空间可能形成两类空间：一类是“物理空间”——即传统“实体剧场”，是“现代化的自由演艺空间”，也即“自由空间”。过去70年间，我国主要的剧场形式是镜框式舞台，现在已难满足未来的演艺形式。而走向“自由空间”涉及到“中性”和“空荡”这两个关键词。“中性”才能发展“个性”；“空荡”才能无中生有；“空”才能为未来发展留有可变余地。这种先进的“空荡”不是简陋，不是商业性、盈利性，是作为戏剧院进行实验的先锋剧场。同时这样的剧场还会引领戏剧学科教育方面提供支持，可以创作各种演出形式的作品；应用传统手段和现代手段结合，创造全方位的动态展演空间。另一类则是“虚拟空间”——即空间传递演艺信息的“云剧场”。如果“A”表示“实体剧场”、“物理空间”、“现场性”的话，则“B”就表示“云剧场”、“虚拟空间”、“媒介化”。两者间包含着以下几点差异：在空间方面，“A”的演艺空间范围有限，功能定性，而“B”的演艺空间范围无限，艺术展示自由。在时间方面，“A”演出开演时间定时、展演过程限时，而“B”演出不定时，随时看，展演内容不受时限。在观众方面，“A”取决于观众厅（客观容积）空间的限制，和观众参与数，“B”则不受时间、空间的限制。不受不同人群的限制，最大限度地滿足人类文化娱乐需求。在生产方面，“A”因剧场空间、时间限制，艺术创作构思必需在剧场客观条件限制范围内从事作品生产，而“B”艺术作品的生产以数字化媒介在“虚拟空间”传递作品效果。这是一种充满创造力的艺术生产模式。对专业科研提三点建议：一是提倡跨界融合，争取具有创新意识的艺术家、教育家、科学家和演艺科技专家们的合作，形成一种科研力量，求真务实的从事演艺科技研究。二是为促进现代化戏剧艺术及艺朮教育的发展，希望立足于前瞻性现代科技研究。研究团队要有决策能力和研发能力。三是、希望重视培养懂艺术的科技精英人才。希望为剧场艺术发展、继奋斗的有识之士，有智慧、有胆略、有毅力地坚持奋斗！剧作家、国家一级编剧、上海文广演艺集团副总裁、上海话剧艺术中心艺术总监喻荣军发言。以“剧场最吸引我的地方是它的局限性”为题进行发言。对于戏剧主创来说，“空间、观众、观演关系、时间、科技”这几个要素都与创作息息相关。首先，所有的演出都放在空间里，不管是现在还是以前。要经常研究“空间”，有时空间会束缚创作者的手脚，但这种束缚和局限性也会带来了无限的可能，这就是创作空间的一种张力，会影响到戏剧的创作，当然也会影响到编剧的创作工作。
其次，观众和舞美、空间、创作有什么关系呢？观众是反推的变化。观众对作品的审美和期待也是影响戏剧变化的因素之一。不同的演出空间会有不同的观众、不同的观剧习惯，这是创作者需要思考的话题。这种思考就像是一场与观众之间的战争。剧作家在写作过程中要先设想好将观众设计在一种什么样的环境中进行观剧。当代观众对观演关系的需求非常大，尤其是疫情以后观众对体验、互动、表达，是现在新的观众的一种特点。
以自己创作的《去年冬天》《WWW.COM》《老大》《浮生记》《情叹》《人模狗样》《乌合之众》《谎言背后》《巡警803》《家客》《化蝶》《李清照》《不可说》《红楼梦》《武康路19号》《金刚经》等多部剧目，分享了作为编剧，在创作过程中怎么考虑剧目主题与时空间的关系。在创作中试图将这种时空相连或分割的关系融入到人物处理与表现中，来展现作为编剧对传统再演绎的当代价值。
国家一级导演，上海话剧艺术中心副总经理何念发言。以“构筑视觉叙事，导演与舞美的对话与合作”为题，提出“一台演出能成功，文本是第一位，其次就是舞美。”文本决定演出的故事、思想和哲学，舞美方案代表了这出戏的形式。在创作生涯中，何念导演首先确定视觉风格，确定舞美风格，其次确定表演形式。舞美风格从现实主义逐步提炼出“空”的空间、提炼出“盒子”的概念，许多演出也逐渐被定义成“舞台剧”而非“话剧”。舞台上应有更加多元的展示，每一个戏跟会舞美设计花很长时间进行创作，会邀请舞美设计在排练场一块工作，理解彼此的表达，探讨视觉可以做到什么样，如何打破一个个现实的空间，拥抱最先进的科技。在《鹿鼎记》中，他尝试用全景式的方式在舞台上用假定的空间表现紫禁城。让20多位演员藏在8个红墙片子后面，通过红墙的移动和打开配合演员动作，展现紫禁城内不同的空间，成为关于舞台假定性和空间场景变化之间的优秀案例。在《浪潮》、悬疑剧三部曲《深渊》《心迷宫》《生吞》的创作中，通过与舞美设计、演员等多部门的合作碰撞，在不断的回溯和复盘中总结出创造出更好样式的演出。推动作品的诞生和不断完善。空间的故事感受能带来多维度的体验，是爱上戏剧最大的感受。在高频次的创作中对剧作、空间的展示，强调导演与舞美之间的紧密合作关系也包括其他各种艺术成分之间的紧密关系，这种合作在视觉、叙事中发挥至关重要的作用。就“在教学与创作中的舞台延展与融合”为题，表达了自己在教学与创作中的想法。在实践创作中探索多种艺术门类的融合和碰撞带来的丰富表达。从民族团结到历史人物，再到工业未来，每一次实践都承载着创新的尝试与突破。当下多种技术、科技的融入，都为舞台展开更宽阔的空间、更多的想象，帮助创作者完成更多设想。
《澜沧水长》中，通过多组转台和翻板的设计，呈现在澜沧江畔实现民族团结的历程。旋转舞台、投影和机械设备的结合，让“天下一家”的主题在诗意空间中展现，展现了民族融合的深刻内涵。《郑板桥》则以国画为灵感，用硬景、软景与灯光交织，勾勒出扬州城的水墨意境。画轴动态展开，呈现了郑板桥人生的风骨与坚韧，使舞台如同一幅流动的画卷。工业题材的音乐剧《智造未来》以钢架、投影等技术重现湖南制造的拼搏精神，270度包围空间与可升降结构赋予舞台动态之美，将工业科研的激情与人文情怀完美结合。
舞台艺术不仅是视觉盛宴，更是一种情感表达。讲座中，多位艺术家分享了科技如何突破传统局限，从投影、多媒体到机械设备，舞台呈现出更广阔的可能性。在融合与创新中，戏剧正在以更加多元的形式，连接观众的情感共鸣，戏剧也以最独特的方式与生命融为一体。
中国美术学院教授、博士生导师、跨媒体艺术学院媒介展演系主任牟森发言。以“人类处境和世界图景‘世界戏剧计划’实践报告”为题，提出将产学研和展映演交替融合，把每一门课都作为展出来体现。并且在实践中提出“跨媒介巨构”作为实践-教学-实践的范式。总结了跨媒介巨构作品的共同特点：第一、面对完全不同、没有接触过的空间，工作使命就是去激活处于毛坯状态的空间，应对第一次使用。第二、赋予空间一个主题、一种叙事结构，通过各种不同的媒介手段做媒介的结构。
“世界戏剧计划”是他提出的以产学研和产业链为手段，以跨媒介、跨学科、跨领域为方式，以世界戏剧史发生在中国现实为意义，以呈现人类行为模式、人类紧急状况和人类命运图景为目的。在教学上，他梳理出七条工作方法。在课程上，把“人类处境、世界图景”作为愿景和目标贯穿教学活动，希望通过跨媒介艺术展现出社会、历史与人类的多维度表达。
从产学研角度，在展演映之间不断做更替，称之为产业链。设立了展演映，建立了实践到教学再到实践的人才培养新范式。通过跨媒介巨构的实践，展现了舞台艺术和新媒体技术的创新结合，不仅增加了艺术表演的多样性，也打开新的空间思维维度。
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