舞台艺术，空间设计的取景框

为此，设计师会尝试用语言去描述或还原某个场景或氛围，有时也会试图“情景再现”，以期重现一种身临其境的体验，继而营造空间的情绪，创造独特的空间气质。这些“可描述性”的场景因为与真实生活有着细碎的相似，与憧憬的生活有着强烈的联结，因而留有某种不可言状的建造痕迹，让人感觉亲切。而当这些“痕迹”以微小的细节、提纯的结构和个人化的理解，凝结营造的语言，空间便拥有了自我重塑的可能性。

古语云：“以身体之，以心验之”。通过体验进而判断，这一过程便是人与“存在”痕迹的交流。在所有艺术形式中，“舞台艺术”以其穷极想象、幻化成境、铺陈布道、深刻凝聚的爆发力，将“人”的存在及思想情感推至最高。舞台与观者之间的距离被缩短，“想象”的空间却被无限扩大。舞台的故事情节转换为空间的叙事流动，“人”的痕迹便立于舞台空间之中。

如果说空间营造的主角是人和人的体验，那么体验的“本质”即是突破限制，而光、色彩、形式便是“舞台艺术”用以突破有形的“三堵墙”与无形的“第四堵墙”最强有力的手段。

正如19世纪末20世纪初，瑞士舞台美术家、戏剧理论家阿庇亚提出的：“舞台设计应以灯光渲染色彩气氛，以空间分割营造戏剧环境，否定绘画布景的重要性”，舞台设计使用的所有元素都应以渲染气氛，传达情绪与营造意境为目的。而光、色彩和形式赋予了舞台极尽张力的想象空间与流动性，从而强化了感官体验。

从这个层面来说，舞台艺术也可等同于空间的艺术，它展开的是对于空间中“人”的精神的纯粹表达。

德国舞台艺术家Katrin Brack犹如一个魔术师，她的舞台设计充满了想象力，以间离效果逃避原始的现实，与直观形象的世界决裂：灯光、烟雾、气球、泡沫、大面积色彩、雪花、雨水、纸屑、甚至演员本身，都被她营造的异常浪漫。她艺术风格中所追求的极简抽象主义获得了人们的极高评价，舞台设计作品虽依附演出而存在，但人们评价她的作品却是“并非稍纵即逝的空间符号”。

大面积银色吊饰垂坠着挂满舞台，流光溢彩程度不亚于每届奥斯卡颁奖盛典用施华洛世奇水晶修饰的效果。

肥皂泡的使用丰富了舞台的层次感，赋予空间流动感，帮助演员更好的表达情绪。

彩色纸条喷薄而出，洒满整个舞台，营造舞台的活泼愉悦感。演员与观众的情绪随着色彩而流动、跳跃。

相较于Katrin天马行空的想象力，英国知名艺术指导、演员DerekMclane的戏剧舞台设计理念多偏向于写实派，着重空间逻辑塑造，多层次多感官的舞台满而不乱，台上的多色彩、多景观也更加强演员的表演力，使得空间饱满而有张力。

舞台布景以多种学术图书馆形象的结合作为基础，由4个辊轮式货架组成多样化空间，小片的音乐曲谱悬挂在上面，当移动舞台时，这些曲谱就会在微风中优美地飘动起来。

布景元素是箱架子，上面集聚了上千个箱子。围绕它们的是由上百张乐谱纸片做成的大型滑墙——全都是贝多芬的临摹手稿。整个空间的舞台背景是一块半透明的背景幕布，这块幕布的花样以18世纪织锦的放大化细节作为基础。

强烈的色彩撞击着空间的想象力，颜色随剧情跌宕起伏而不断变换，在同一空间内呈现不同的空间情绪，同时也烘托出演员的表现张力。

用立体化分隔的空间打造舞台视觉层次，高低错落的表演区，营造出空间的叙事性，分割的小空间寓意办公窗，契合戏剧主题，多色彩似乎也预示着戏剧中所指向的职场中的各种微妙情绪。

影像与装置交互设计，嵌入舞台空间，打造立体、广阔、具有冲击力的视觉效果，色彩欢快斑斓，营造出舞台空间的壮丽可观。膨胀的视觉元素随时切换着舞台尺度，在方寸舞台上再造神奇的梦幻国度。

MARC JACOBS 2017春夏秀场设在纽约曼哈顿的Hammerstein Ballroom。秀场空间用数以千计的小灯泡点缀，犹如繁星点点的夜空，秀场色彩以蓝紫色为基调，小灯泡幻化成光点，呼应本季深浅不一的单宁主调、柔软的天鹅绒质感与闪亮的斑点元素。整场大秀精致华丽却又充满街头叛逆感。

整个秀场的核心是一个上有层顶、下铺地板的直线形构造，空间被巧妙隔开的同时，也强化了各个视角的空间比例。现场由大导演DavidO. Russell主导的多平电影装置结合未来感十足的银色金属架构，使Prada的前卫性一览无余。层顶与地板之间的笔直坡道被用作T台，嘉宾看台则沿着T台廊道铺展开来。

连续的金属表层覆于秀场所有元素之上，进而形成了一个由不同形状与维度交织而成的独特的抽象层，构成了整个秀场空间的全新改造。微微的光线穿过织网布满全场，迷幻灯光令所有表层覆盖物虚化，为秀场增添色彩，模特行走其中，观众静坐而观，静与动，色与光，让空间未来感十足。

由建筑大师扎哈·哈迪德为CHANEL设计的“海的女儿”主题秀场，将巴黎大皇宫打造成一座浪漫白色的海洋乐园，海螺、贝壳、珊瑚以及游鱼等白色巨型雕塑装置屹立其中，在白色沙地的反射下更显莹白光泽。整场发布会以白色的斜纹软呢套装开场，靓白色、藕粉色、浅绿色、水蓝色和灰蓝色等带有珍珠光泽的粉色调，简洁的黑色细线条、彩色印花和波浪条纹，饰以满幅珠片刺绣或缀以贝壳状的褶皱，所有元素都仿佛阳光下波光粼粼的海面，洋溢着海洋气息。

不管是通过先进的科技手段还是不同的光、色彩、形式之间的组合和拼接，舞台设计中的所有元素最终都是为空间营造和情感表达，连结舞台与舞台之外。美国设计大师罗伯托J·伦格尔说：“使用者对于空间的印象可不是取决于流线，而是取决于遵从流线进行移动或展开活动的过程中获得的空间体验”。

由“空间体验”进而发生“空间情感”。当体验够好时，则说明空间承载了好的生活方式和人的意愿，人们便开始想象和理解空间，理解产生认同，认同催发喜欢。生活中任何一种“喜欢”都是一种“仪式感”。人们需要建筑空间，最终都是为了回到“人自有其心灵需要”的“仪式感”中。当工作、社交充斥于日常生活，人们对于“喜欢”和“舒服”这件小事变得敏感且有所要求：在现实中存理想，既满足“日常”的需要，又满足“非日常”的需要。

如此便要求“设计空间”不再只是“造房子”这件事。不是建造“美”的空间，而是建造“美好”初体验的空间。让空间承载生活的美，承载人的生活痕迹。重视细碎微小却直接关乎生活质量的细节。例如：灯光需求的设计、建筑材料对空间冷暖的影响、公共非灰色空间的空间质量等等。同时，也要求空间营造不是符号化的元素堆砌，而是考量元素表象之下的含义、意义是否真正服务于空间使用者。柯布西耶和密斯不提供人们熟悉与可能喜欢的任何东西，但“设计”放之今天，大多数人需要的不是被告知，被规定，而是在变化中既能瞧见个性，又能寻得“统一”。